KINOS

mostras

2012-02-01T09:30:00.002-02:00

Duas mostras começaram esta semana. Uma traz os filmes de John Waters, na Caixa Cultural, e a outra leva alguns longas do húngaro Peter Forgacs ao CCBB. Vejam as programações e textos sobre os dois cineastas aqui e aqui, respectivamente.

links

2012-01-30T09:59:00.002-02:00

Alguns links:

- Um texto de Fergus Daly sobre Sidney Lumet.

- Uma conversa entre Kent Jones e Jonathan Rosenbaum sobre Bresson e Godard.

- David Bordwell sobre "O espião que sabia demais".

- Cezar Migliorin sobre o edital do Sav/Minc.

- Muito legal este texto de Paulo Roberto Elias sobre sua experiência no IMAX do Rio.

prefiro o segundo

2012-01-27T20:15:00.000-02:00

compramos um zoológico **

2012-01-26T10:17:00.002-02:00

O que me parece ser o grande projeto de Cameron Crowe é nos convencer de que a vida pode dar certo como um filme hollywoodiano. Por isso ele trabalha tão perto de uma variedade enorme de clichês e imagens consagradas, usadas e abusadas no cinema. “Compramos um zoológico” é um desfile de tipos, diálogos e situações industrializadas, digamos assim, sem pré-julgamentos. Crowe tenta redimir, reinvestir, recalibrar todos isto. Este é o seu desafio: produzir momentos epifânicos de dentro da cultura pop e de consumo. E talvez ele até consiga em um ou outro momento, seja através de uma música, da atuação de um ator (Crowe costuma tirar boas interpretações de seus intérpretes), ou do jogo de identificação por meio do qual um clichê consegue por vezes nos ganhar.

Agora, a minha sensação é a de que Crowe se esforça demais. Talvez seja um dos cineastas mais chantagistas e carentes do cinema americano hoje. “Compramos um zoológico”, como “Elizabethown” (2005), penúltimo filme do cineasta, é uma metralhadora programada para atirar momentos epifânicos por todos os lados. E isto é como uma contradição. Veja bem: “Compramos um zoológico” é um misto de comédia romântica, de comédia de costumes, de temas de redenção e realização pessoal. E o nosso protagonista vai à luta depois de perder a jovem mulher, o emprego e o apreço do filho mais velho. Como pode, contudo, ele encontrar uma vida tão pré-roteirizada?

filmes e links

2012-01-13T11:51:00.002-02:00

- Começa hoje a mostra de filmes do Clint Eastwood lá no IMS.

- Último fim de semana da mostra dos Straubs no Rio. Vejam a programação aqui. Dá pra baixar o catálogo tb.

- O MAM exibe hoje (18h30), sábado (16h) e domingo (16h) as três partes do "Capital" de Alexander Kluge.

- Um texto de Cristina Álvarez López e Adrian Martin sobre Philippe Garrel, em espanhol e inglês.

capitão planeta

2012-01-11T23:38:00.000-02:00

Don Cheadle is Captain Planet from Don Cheadle

...

2011-12-21T11:41:00.002-02:00

Ontem fui assistir "Roubo nas alturas", filminho bem mais ou menos de Ben Stiller e Eddie Murphy. E o que me deixou bolado mesmo foram os trailers. Primeiro veio o novo "Missão Impossível", e, em seguida, "Dois coelhos". E aí, meu irmão... Não dá. Não sabia da existência deste "Dois coelhos", de Afonso Poyart. Mas o fato é que, diante do "Missão impossível", diante da pujança hollywoodiana, o brasileiro parece uma coisa meio amadorística. Na comparação, perderemos quase sempre. Não tem muito jeito. Vejam vocês:

cain!

2011-12-19T11:08:00.001-02:00

Herman Cainâs Campaign Promises with Mike Tyson from Mike Tyson

garoto da bicicleta ***

2011-12-18T12:35:00.000-02:00

Não sei se gosto de “O Garoto de Bicicleta”. Acho que o Francis Vogner dos Reis conseguiu sintetizar a minha sensação com os filmes mais recentes dos Dardenne em sua crítica sobre “O silêncio de Lorna”: o projeto estético-cinematográfico dos belgas anda dando sinais de saturação e não exatamente de esgotamento. É bem por aí mesmo. Ainda é possível maravilhar-se como o garoto (brilhantemente interpretado por Jérémie Renier) nos é revelado enquanto anda em sua bicicleta, como suas vontades e angústias tornam-se em geral evidentes pela maneira como ele pedala. O jogo de gato e rato entre a câmera e o personagem que tanto marca o cinema dos Dardenne também permanece sedutor e energético, assim como a precisão e objetividade narrativa dos irmãos belgas. Agora, contudo, as linhas (e seus pontos de chegada) que conjugam essa negociação entre a câmera e o corpo dos atores e dos espaços e determinadas funções narrativas, me parecem por demais visíveis. É neste sentido que a trilha supostamente bressoneana (como bem disse o Fábio de Andrade lá na Cinética) me incomoda bastante. Ele vem em três momentos do filme, como que a sublinhar viradas e fazer brotar sentimentos por demais esclarecidos, pena, piedade, compaixão. Tudo muito certinho, programático, previsível.

pv

2011-12-15T08:18:00.000-02:00

ferrara

2011-12-13T19:26:00.001-02:00

Ando revendo os filmes de Abel Ferrara - a minha produtora (firula filmes) aprovou uma retrospectiva do homem lá no CCBB. Eu já tinha visto quase tudo (com a exceção dos episódios do “Miami Vice” e dos filmes para a TV), e, agora, revejo os meus favoritos: “Maria” (2005), “New Rose Hotel” (1998), “The blackout” (1997), “Bad Lieutenant” (1992), “MS.45” (1981), “Dangerous game” (1993) ... É um cineasta que parece falar pra mim. Só pra mim. Tudo me chega com uma intensidade... Tudo me parece tão livre... Fico pensando de onde vem esta sensação de algo que transborda, que nos joga pra frente. Ferrara filma como se fosse o primeiro. Seus filmes são diferentes. Diferentes a ponto de serem estranhos. A cada plano, algo potencialmente novo se vislumbra e nos convoca. Tudo é possível em um filme de Ferrara. Talvez venha daí...

Aliás, já troquei alguns emails com o Ferrara. São emails com a cara do cinema de Ferrara: palavras fortes, sem tempo para vírgulas ou pontuações... e, por vezes, de uma curiosa incompreensão. Depois volto a isso.

fittipaldi

2011-12-11T11:36:00.000-02:00

links

2011-12-09T19:47:00.002-02:00

- nova revista no ar, a Interlúdio!

- a nova edição da Filme Cultura.

- Jacques Rancière e Philippe Lafosse em uma conversa sobre os Straubs.

cineclube cinética

2011-11-24T08:57:00.002-02:00

Hoje tem Cineclube da Cinética lá no IMS. Às 17h passa "Nanook, o Esquimó" (1922), de Robert Flaherty, e, às 18h30, é a vez de "Aquele Querido Mês de Agosto" (2008), de Miguel Gomes. Cliquem nos filmes para ler os textos sobre eles.

ray, haneke e von trier

2011-11-19T19:44:00.002-02:00

Estão rolando algumas retrospectivas no Rio. Michael Haneke no Caixa Cultural, Lars Von Trier no IMS, e Nicholas Ray, o grande, no CCBB. Para ver a programação basta clicar nos nomes.

links

2011-10-25T08:33:00.001-02:00

- a nova edição da La Furia Umana está no ar.

- algumas homenagens a Raul Ruiz.

- Rafael de Luna acaba de colocar no ar o site Viva Cine – Portal História Viva do Cinema Brasileiro, uma iniciativa da Associação Cidadela e do Tela Brasilis voltada para a reflexão e discussão sobre a história do cinema brasileiro.

celebrity army

2011-10-23T07:46:00.000-02:00

Clinton Foundation: Celebrity Division from President Bill Clinton

cineclube cinética

2011-10-21T09:25:00.001-02:00

Hoje tem Cineclube Cinética lá no IMS. Serão exibidos, às 17h30, "O Atalante" (1934), de Jean Vigo, e, às 19h45, "Após a Reconciliação" (2000), de Anne-Marie Miéville.

semana dos realizadores

2011-10-20T11:29:00.002-02:00

Começa hoje a Semana dos Realizadores! Vejam a programação aqui.

canções

2011-10-18T08:39:00.001-02:00

É um privilégio ver um filme de Eduardo Coutinho. Talvez ele nunca esteve tão feliz fazendo um documentário quanto neste “As canções”. E algo desta felicidade imprimi no filme. Um palco, uma cadeira, uma cortina, e pessoas conversando sobre suas vidas e canções preferidas. Coutinho é de uma simplicidade meio punk. Ao mesmo tempo, o jogo entre fato, lembrança, ficção e relato é de uma sofisticação desconcertante. Nada disso, contudo, parece realmente importante quando “experienciamos” um filme de Coutinho. “Canções” é como um presente. Vê-lo é como ganhar um presente.

festival

2011-10-16T11:40:00.001-02:00

Este Festival do Rio é uma bagunça. Agora mesmo cancelaram a exibição do filme do Abel Ferrara. Não consegui ver “Drive”, que disseram que não ia mais passar, mas acabou passando. Os longas de Monte Hellman e Chantal Akerman ainda não começaram a vender. E, pelo amor de Deus, quem faz a seleção dos curtas deste festival?

francesco

2011-10-11T00:02:00.002-03:00

Esta cena de Francesco (1950), de Rossellini, é incrível. É um cinema que vislumbra uma espécie de pedagogia. Rossellini acredita na capacidade do cinema de revelar uma verdade (espiritual) a partir da literalidade das coisas e, por conseguinte, tocar as pessoas.

Lembro de “Lettre sur Rossellini”, artigo em que Jacques Rivette compara os filmes do cineasta italiano a ensaios atravessados por parábolas, suaves e precisas, que o crítico associava aos traços de Matisse. "Cada cena, cada episódio voltarão à sua memória, não como uma sucessão de planos e de enquadramentos, uma seqüência mais ou menos brilhante, mas como uma grande frase melódica, um arabesco contínuo, um só traço implacável que conduz seguramente os seres para o que ainda ignoram e encerra na sua trajetória um universo palpitante e definitivo; seja um fragmento de Paisà, um episódio de ‘Francisco, arauto de Deus’, ‘Europa 51’, ou o todo de seus filmes, a sinfonia em três movimentos de ‘Alemanha, ano zero’, a linha ascendente e obstinada de ‘Stromboli’ -, sempre o olhar incansável da câmera representa o papel do lápis, um desenho temporal prossegue sob nossos olhos; seguimos seu progresso até o esvaecimento final, até que ele se perca na duração, tal como surgira da brancura da tela".

elvis & madona

2011-10-09T11:19:00.002-03:00

“Elvis & Madona” é um filme bem sedutor atraente e ao mesmo muito fácil de se desgostar. Se a temática é ousada, sua condução poderia até ser classificada como conservadora. O amor de Elvis e Madona acaba sendo reconvertido em uma relação heterossexual, e, por vezes, as noções pré-concebidas a respeito destes tipos parecem falar mais alto do que os personagens em cena. Se a montagem é truncada e a encenação um tanto limitada (algumas piadas não têm timing, perde-se o ritmo interno em certas cenas, alguns conflitos são resolvidos com pressa, e alguns atores rendem menos do que os protagonistas), “Elvis & Madona” transpira vez ou outra um amadorismo no bom sentido, um filme que deseja produzir imagens que se imponham.

festival do rio

2011-10-07T19:56:00.004-03:00

Algumas (poucas) dicas (os dois primeiros estreiam ainda em outubro):

Inquietos, de Gus Van Sant

L'Apollonide, de Bertrand Bonello

Chantrapas, de Otar Iosseliani

Drive, de Nicolas Winding Refn

4:44 Last Day on Earth, de Abel Ferrara

Tabloide, de Errol Morris

Um método perigoso, de David Cronenberg

Take Shelter, de Jeff Nichols

Boys meets girl, de Leo Carax

Loucura de Almayer, de Chantal Akerman

Uma longa viagem, de Monte Hellman

Terraferma, de Emanuele Crialese

Sangue do meu sangue, João Canijo

We Need to Talk About Kevin, de Lynne Ramsay

George Harrison, de Martin Scorsese

Além das retrospectivas de Bela Tárr e Dario Argento

aula magna com roberto farias

2011-10-04T23:04:00.002-03:00

Esta quinta (dia 6) a UFF recebe Roberto Farias no Auditório da Faculdade de Direito para uma Aula Magna, às 10h. Quem quiser, é só chegar.

Endereço: Rua Presidente Pedreira 62, Ingá, Niterói.

assombro

2011-10-03T07:51:00.003-03:00

Uma performance assombrosa de Klaus Nomi, contra-tenor alemão, que morreu de Aids em 1983, aos 39 anos. Ele canta uma ária do século XVII escrita por Henry parcell, morto em decorrência da tuberculose, aos 36 anos. A ária chama-se "The Cold Song":

What power art thou, who from below

Hast made me rise unwillingly and slow

From beds of everlasting snow

See’st thou not ( how stiff )2) and wondrous old

Far unfit to bear the bitter cold,

I ( can scarcely move or draw my breath )2)

Let me, let me freeze again to death.3)

riscado e casa de sandro

2011-10-01T10:09:00.002-03:00

- “Riscado” busca uma espécie de simplicidade sofisticada. Várias texturas compõem o longa, do HDV (para a história principal) ao 16 mm (para os momentos íntimos), passando pelo super-16 (quando vemos o filme dentro do filme). A idéia, me parece, era embaralhar estas instâncias, costurar um longa camada por camada, em um movimento circular pra frente. E isto, definitivamente, traz um certo frescor a “Riscado”, um filme entusiasmado com as possibilidades que se lhe apresentam a partir desta estrutura. É também um filme entusiasmaste no que diz respeito à personagem Bianca Ventura, que sobrevive fazendo bicos até que um dia surge o papel de protagonista em um longa.

O final de “Riscado”, no entanto, me incomoda. Bianca (quem não viu o filme deve parar por aqui) é desligada de maneira grosseira do filme que estava fazendo. Por que ela não poderia seguir no filme? Por que “Riscado” termina com uma derrota? Acho que este é um problema meu mesmo. Não desmereço o filme por isto, embora não possa negar que aquele final me desagrada. “Riscado” tinha o poder de dar aquela vitória, talvez a grande primeira vitória de Bianca. Eu gosto de finais felizes. Gosto de filmes felizes. “Riscado” é um filme ensolarado (recheado, é verdade, de muita mesquinharia e pequenezas) que no fim me parece duro demais com Bianca.

- "Casa de Sandro” nos desafia com uma câmera insistentemente fixa, por vezes como uma intrusa à espreita, noutras como uma convidada silenciosa. È curiosa esta dupla função. Pois somos convocados a contemplar um mundo que parece se constituir muitas vezes através desta mesma contemplação. Neste sentido, é mesmo muito legal a primeira cena de “Casa de Sandro”. Fábio Andrade falou dela lá na Cinética. “Casa de Sandro” se afirma como um exercício do olhar. Este exercício, no entanto, é a todo o momento reiterado e valorizado pelo filme. E aos poucos, a relação que o filme estabelece com o que filma esfria-se. A impressão em alguns momentos é a de que o filme já estava pronto antes de ser filmado.

links

2011-09-29T08:03:00.002-03:00

- Paulo Roberto Elias postou em seu blog um texto muito bacana sobre o IMAX do UCI do Rio.

- Vídeos- entrevista com o crítico e teórico britânico Victor Perkings. Bem legal.

- Um texto de Adrian Martin sobre "A árvore da vida".

- Outro texto bem curioso de um dos roteiristas de "Conan" sobre como é trabalhar em um fracasso hollywoodiano.

clichês

2011-09-27T09:06:00.000-03:00

Algo me incomoda quando um crítico desmerece um filme descrevendo-o como uma sucessão de clichês. Talvez isso fizesse sentido algumas décadas atrás. Hoje, no entanto, parece-me muito mais uma certa preguiça crítica. Afinal, o que não é clichê nesta sociedade em que vivemos, quando não se pode mais pensar a cultura de mídia e a cultura do consumo em separado? E mais: os clichês (imagens que, repetidas diversas e diversas vezes, supostamente, sintetizariam a essência daquilo que representam), refletem o contexto em que foram criados e passaram com o tempo a nos propor uma relação afetiva. Talvez o problema não seja exatamente o clichê, mas o reduzir-se a ele. Parece mero jogo de palavras, mas não é. Pois, se por um lado, um clichê, tal como uma camisa de força, pode reduzir nosso horizonte de possibilidades; por outro, ele pode também funcionar como uma porta de entrada, facilitar a comunicação, demarcar afinidades ou distâncias. Um clichê não é em si falso ou verdadeiro. Esta é uma questão que se resolve no decorrer da sequencia, no dia a dia. Eu lembro de “Eastbound & Down”, a série de Jody Hill e David Gordon Green. Trata-se uma sucessão de clichês. Kenny Powers, o personagem principal, é um clichê ambulante. Mas tudo nele soa tão autêntico.

debate

2011-09-25T23:03:00.003-03:00

Cezar Migliorin, professor da UFF e colaborador da Cinética, publicou um breve texto em seu blog sobre Minc, jovens e arte. Este texto rendeu um debate bem legal. Cliquem e leiam.

decora

2011-09-22T18:26:00.001-03:00

Estava vendo outro dia um pedaço do programa “Decora” do GNT. Eu simplesmente odeio este programa. Odeio como os espaços ficam depois que a decoradora os arranja. Eles ficam todos muito parecidos, bizarramente impessoais, com um jeitão enorme de mostruário. São espaços que não parecem muito abertos ao humano, entendem? Se você tirar algo do lugar, se alguma coisa quebrar, toda aquela harmonia fabricada vai para o quinto dos infernos. E o que mais me espanta é o fato destes espaços alterados serem sempre tão imensamente sedutores. É difícil não gostar da coisa logo de cara. É uma coisa meio agressiva neste sentido. Daí talvez venha este ódio todo. Eu me pego tendo que lutar contra esta sedução inicial...

lonely island 2

2011-09-20T09:40:00.001-03:00

Eu andei revendo alguns clipes do Lonely Island. São mesmo incríveis. Eu me sinto como um contrabandista. Este é o convite do trio: contrabandear mal gosto para dentro do “sistema”. Eles pegam uma piada ruim e a enchem de perfumes, efeitos, câmeras lentas, gente famosa, enfim, de “bom gosto”. Essa adesão aos perfumes, aos efeitos, às câmeras lentas, à gente famosa, ao “bom gosto”, ao, por que não, clichê, é tão radical que acaba revelando o vazio destes termos e procedimentos. Qualquer coisa cabe ali. Até mesmo uma piada infame.

cinemaison

2011-09-18T11:37:00.002-03:00

Esta segunda o Cinemaison exibe "La Danse", mais um grande filme de Frederick Wiseman, em que o mestre do cinema direto americano acompanha o balé da ópera de Paris. Começa às 19h.

edward yang e vicente minnelli

2011-09-14T08:45:00.003-03:00

- Amanhã, o Cineclube da Cinética exibe às 17h "As coisas simples da vida", obra prima do taiwanês Edward Yang. Para ler o texto sobre o filme clique aqui.

- Começa hoje no CCBB uma mostra com filmes do grande Vicente Minnelli. Vejam a programação neste link.

The Creep (feat. Nicki Minaj & John Waters)

2011-09-11T23:58:00.001-03:00

Este pessoal do Lonely Island está fazendo algo bem radical. É uma comédia radical, desorganizando os códigos cômicos por dentro. Os caras levam uma piada ruim às últimas consequências. E é deste gesto que vem a graça. Vejam o vídeo abaixo:

festival do rio

2011-09-09T18:53:00.002-03:00

O festival do Rio acaba de divulgar os longas brasileiros que serão exibidos este ano. Vejam abaixo:

COMPETIÇÃO LONGAS DE FICÇÃO

1. A NOVELA DAS OITO de Odilon Rocha

2. AMANHÃ NUNCA MAIS de Tadeu Jungle

3. EU RECEBERIA AS PIORES NOTÍCIAS DE SEUS LINDOS LÁBIOS de Beto Brant e Renato Ciasca

4. GIRIMUNHO de Helvécio Marins Jr. e Clarissa Campolina

5. HISTÓRIAS QUE SÓ EXISTEM QUANDO LEMBRADAS de Julia Murat

6. MÃE E FILHA de Petrus Cariry

7. A HORA E A VEZ DE AUGUSTO MATRAGA de Vinícius Coimbra

8. O ABISMO PRATEADO de Karim Aïnouz

9. SUDOESTE de Eduardo Nunes

HORS CONCOURS FICÇÃO

1. CAPITÃES DE AREIA de Cecília Amado

2. CORAÇÕES SUJOS de Vicente Amorim

3. O PALHAÇO de Selton Mello

4. OS 3 de Nando Olival

5. REIS E RATOS de Mauro Lima

NOVOS RUMOS

1. PARAÍSO, AQUI VOU EU de Walter Daguerre e Cavi Borges

2. CRU de Jimi Figueiredo

3. DIA DE PRETO de Marcos Felipe, Daniel Mattos e Marcial Renato

4. RÂNIA de Roberta Marques

5. TEUS OLHOS MEUS de Caio Sóh

6. VAMOS FAZER UM BRINDE de Cavi Borges e Sabrina Rosa

7. CIRCULAR de Adriano Esturilho, Aly Muritiba, Bruno de Oliveira, Diego Florentino e Fábio Allon

8. ESPIRAL de Paulo Pons

COMPETIÇÃO LONGAS DOCUMENTÁRIOS

1 . A ERA DOS CAMPEÕES - de Cesario de Mello Franco e Marcos Bernestein -

2. CANÇÕES de Eduardo Coutinho

3. LAIÁ, LAIÁ de Alexandre Iglesias

4. LUZ, CÂMERA, PICHAÇÃO de Marcelo Guerra, Gustavo Coelho e Bruno Caetano

5. MARIGHELLA de Isa Grinspum Ferraz

6. MENTIRAS SINCERAS de Pedro Asbeg

7. OLHE PRA MIM DE NOVO de Kiko Goifman e Claudia Priscilla

8. OS ÚLTIMOS CANGACEIROS de Wolney Oliveira

HORS CONCOURS DOCS

1. CASA 9 de Luiz Carlos Lacerda

2. UMA LONGA VIAGEM de Lúcia Murat

3. VIDA DE ARTISTA de José Joffily

RETRATOS

1. Abdias Nascimento, Um Brasileiro do Mundo de Aída Marques

2. Augusto Boal e o Teatro do Oprimido de Zelito Viana

3. Bruta Aventura em Versos de Letícia Simões

4. Cena Nua de Belisário Franca

5. MARCELO YUKA NO CAMINHO DAS SETAS de Daniela Broitman

6. Salgado Filho - O Herói Esquecido de Ricky Ferreira

PREMIERE LATINA

1 CARTA PARA O FUTURO de Renato Martins

2 CUBA LIBRE de Evaldo Mocarzel

MOSTRA EXPECTATIVA

1.TAMBORES de Sérgio Raposo

2. VALE DOS ESQUECIDOS de Maria Carvalho Raduan

PANORAMA DO CINEMA MUNDIAL

1.Rock Brasília, Era de Ouro de Wladimir Carvalho

MOSTRA ITINERÁRIOS ÚNICOS

1. Um dia com Frederico Morais de Guilherme Coelho

2. Meia hora com Darcy de Roberto Berliner

wim wenders

2011-09-07T08:15:00.001-03:00

A Caixa Cultural recebe uma retrospectiva de Wim Wenders. Vejam a programação:

Quarta, 7/09

14h30 – O Céu de Lisboa (Alemanha/Portugal, 1994. Livre)

16h30 – Asas do Desejo (Alemanha, 1987. Livre)

19h- Paris, Texas (França/Alemanha, 1984. 14 anos)

Quinta, 8/09

14h30 – No Decurso do Tempo (Alemanha, 1976. 14 anos)

18h – Movimento em Falso (Alemanha, 1975. 12 anos)

20h – debate "As imagens de Wim Wenders"

Sexta, 9/09

14h30 – O Estado das Coisas (Alemanha/EUA/Portugal, 1982. 14 anos)

17h – Tão Longe, Tão Perto (Alemanha, 1993. 14 anos)

19h30 – O Amigo Americano (França/Alemanha, 1977. 14 anos)

Sábado, 10/09

14h – Medo e Obsessão (Alemanha/EUA, 2004. 12 anos)

16h30 – Palermo Shooting (Alemanha, 2008. 18 anos)

18h30 – Até o Fim do Mundo (Alemanha/Austrália/França, 1991. 14 anos)

Domingo, 11/09

14h – A Alma de um Homem (EUA, 2003. Livre)

16h – Alice nas Cidades (Alemanha, 1973. 14 anos)

18h30 – O Fim da Violência (Alemanha/França/EUA, 1997. 18 anos)

Terça, 13/09

15h - Medo e Obsessão (Alemanha/EUA, 2004. 12 anos)

17h30 – O Céu de Lisboa (Alemanha/Portugal, 1994. Livre)

19h30 – Além das Nuvens (Alemanha/França/Itália, 1995. 18 anos)

Quarta, 14/09

15h30 - Até o Fim do Mundo (Alemanha/Austrália/França, 1991. 14 anos)

19h - Asas do Desejo (Alemanha, 1987. Livre)

Quinta, 15/09

15h - O Fim da Violência (Alemanha/França/EUA, 1997. 18 anos)

18h - Além das Nuvens (Alemanha/França/Itália, 1995. 18 anos)

20h - Alice nas Cidades (Alemanha, 1973. 14 anos)

Sexta, 16/09

15h30 - No Decurso do Tempo (Alemanha, 1976. 14 anos)

19h - Tão Longe, Tão Perto (Alemanha, 1993. 14 anos)

Sábado, 17/09

14h - Paris, Texas (França/Alemanha, 1984. 14 anos)

17h - Movimento em Falso (Alemanha, 1975. 12 anos)

19h - O Estado das Coisas (Alemanha/EUA/Portugal, 1982. 14 anos)

Domingo, 18/09

14h30 - O Amigo Americano (França/Alemanha, 1977. 14 anos)

17h - A Alma de um Homem (EUA, 2003. Livre)

19h - Palermo Shooting (Alemanha, 2008. 18 anos)

alguns brasileiros

2011-09-06T10:12:00.003-03:00

- Não gostei do novo filme de Eryk Rocha. A mise en scène sempre foi protagonista de seu cinema. Há em seus filmes um formalismo do plano, um certo maneirismo de se conseguir um efeito plástico. “Transeunte” não é diferente. Organiza-se uma sucessão de sequencias singulares, com imagens empenhadas em criar estranhamento e adquirir estatuto de autonomia em relação à narrativa, sempre com angulações inusitadas, muitos grãos e o corpo do protagonista em primeiro plano. O efeito plástico é como um fim que justifica os meios. “Transeunte” é um filme de coragem – disposto a construir um olhar atento aos pormenores de um personagem anônimo sem particularidades. Neste processo, no entanto, Rocha deixou a receita à vista. “Transeunte” faz força demais, repetidamente, para “significar”. É um filme de macetes significantes. E sua busca de um não sentido por vezes parece escorregar na busca de um sentido único.

- Hugo Carvana é um cineasta com um universo facilmente reconhecível. E muito me agrada o seu espírito descompromissado. "Não se Preocupe, Nada Vai Dar Certo", como os últimos longas de Carvana, é um filme apaixonado. É claro: Carvana tem suas limitações como cineasta, todas elas muito evidentes. Mas ele não as disfarça. Muito pelo contrário. É como se por vezes suas imperfeições tão particulares funcionassem como assinaturas. Devo dizer, no entanto, que um furo na narrativa de “Não se preocupe” me jogou para longe do filme e eu não consegui mais voltar. O guru indiano havia sido preso em Miami por uma acusação de pedofilia. Uma empresária brasileira que havia contratado o guru para palestras no Rio de Janeiro resolve procurar um ator desconhecido que possa se passar pelo indiano. Lalau (Gregório Duvivier) aceita o trabalho, sobrevive aos jornalistas e às primeiras palestras. Eu me senti agredido por isto. Em tempos de Internet, se um famoso guru indiano for preso em Miami por pedofilia antes de vir ao Brasil, todo mundo vai saber. A trama talvez funcionasse alguns anos atrás. Hoje, no entanto, é como se ela estivesse subestimando a minha inteligência. Pelo menos foi como me senti. E por mais que eu quisesse, não consegui mais entrar no filme.

- O que é o final de “O Homem do futuro”!? O filme seguia aos trancos até o fim, é verdade, até mesmo Wagner Moura me parecia ruim, mas Cláudio Torres tem de fato algum talento se o compararmos a outros cineastas brasileiros. Mas este final é algo tão cínico e amoral... Um filme morre pra mim num momento como este. Fiquei lembrando de Jacques Rivette e seu texto paradigmático sobre “Kapo” (1959), em que ele condenava um movimento de câmera de Gillo Pontecorvo ao “mais profundo desprezo”. Faço o mesmo com “O homem do futuro”.

- Sobre “A alegria”, leiam esta crítica de Inácio Araújo:

"A Alegria" é, até certo ponto, o filme da geração do "fim da história", do sentimento de nada a fazer, nada por que combater, nada a obter. Representada por quatro amigos, a geração opõe-se ao nada que lhe é oferecido e dispõe-se a lutar contra.

É, também, o filme de uma cidade que experimenta o fantasma do próprio extermínio, da submersão, do fim sob uma onda de violência, a saber, o Rio de Janeiro.

Unir os dois temas não é simples. O primeiro envolve uma atitude existencial, uma disposição diante de como o mundo se apresenta a jovens de determinado momento. O segundo diz respeito a uma experiência urbana.

O produto de ambos talvez seja esse grupo de adolescentes em busca de si mesmos diante de uma realidade que se apresenta bastante hostil.

Diante dela, o grupo de amigos estará com Luiza, sua aparente líder, que menciona uma "política da alegria", talvez a única viável ao grupo (e à geração).

Essas questões já se encontravam no filme anterior da dupla Felipe Bragança e Marina Meliande, "A Fuga da Mulher Gorila". Talvez não seja inexato dizer que estavam colocados de maneira mais eficaz lá, na trajetória da garota que se transformava numa assustadora gorila.

Aqui certos elementos retornam: as máscaras, a menção ao fantástico (um tanto incompreensível) ao final, compondo a estranha e fascinante colagem de imagens ora coloquiais, ora poéticas, ora realistas, ora alegóricas.

A aproximação entre esses registros gera uma incômoda sensação de obscuridade (para a qual colaboram decisivamente as deficiências do som e da direção de atores).

Sem paternalismo, os tropeços podem ser vistos como parte do percurso muito interessante escolhido pelos realizadores, de um grupo que se opõe ao comercialismo (o sucesso de bilheteria como fim) do cinema brasileiro.

Talvez essa trajetória se torne mais clara quando observarem que a limpidez de algumas de suas imagens é mais significativa do que os momentos em que a necessidade de buscar a originalidade parece se interpor entre os autores do filme e seu objeto.

colóquio

2011-09-01T08:11:00.001-03:00

Começa hoje o colóquio “Itinerários da Comunidade”, no auditório G-1 da Faculdade de Letras da UFRJ. Vejam as mesas:

Dia 1º de setembro:

10:00 h - Márcio Seligmann-Silva (UNICAMP) - “Toda comunidade é fascista. Um elogio do nomadismo”.

10:30 h - Karl Erik Schollhammer (PUC/RJ) – “Pode a literatura formar uma comunidade estética?”

Mediação: João Camillo Penna (UFRJ).

11:30 h - Eduardo Sterzi (UNICAMP) - "A comunidade antropófaga".

12:00 h - Denilson Lopes (UFRJ) – “Encenações Minimalistas e Pós-Dramáticas do Comum”.

Mediação: Ângela Maria Dias (UFF).

15:00 h - Ângela Dias (UFF) – “Nostalgia da presença e comunidades infundadas”.

15:30 h - Paula Glenadel (UFF) – “Comunidades poéticas”.

Mediação: Ana Alencar (UFRJ).

16:30 h - Eliane Robert Moraes (USP) - "Sobreviver junto".

17:00 h - Susana Scramim (UFSC)- “Agamben, a poesia e a comunidade que vem”.

Mediação: Alberto Pucheu (UFRJ).

18:00 h - Edson Rosa (UFRJ) – “A obra de arte: resistência e insubmissão".

18:30 h - Rosana Kohl Bines (PUC-RJ) - “"Formas de partilha estética”.

Mediação: Marcelo Diniz (UFRJ).

Dia 2 de setembro

9:30 h - Francisco Foot-Hardman (UNICAMP) - “Contra Estado, Contra Sociedade: a comunidade dos sem-pátria e os dilemas do novo anarquismo global”.

10:00 h - Roberto Vecchi (Universita degli Studi de Bologna) - "Imperfeições, vácuos e potências do ser-em-comum: as incompletudes da comunidade e a força literária".

Mediação: Danielle Corpas (UFRJ).

11:00 h - Raul Antelo (UFSC)– «Comunidade acéfala ».

11:30 h - Ettore Finazzi Agrò (UNIROMA)- “Munus e communitas: a identidade negociada e a comunidade ausente na Modernidade brasileira”.

Mediação: Ricardo Pinto (UFRJ).

14:30 h - Julio Ramos (UC Berkeley) - "Arte, trabajo y comunidad en los murales fordistas de Diego Rivera en Detroit".

15:00 h - Cláudio Oliveira (UFF) – “Comunidade que vem e política não estatal em Giorgio Agamben”.

Mediação: Francisco Foot-Hardman (UNICAMP).

16:00 h - Roberto Zular (USP) – "Comunhão de bocas vazias ou a poesia como potência de enunciação".

16:30 h - João Camillo Penna (UFRJ) – “Comunidade autoimune”.

Mediação: Flávia Trocoli (UFRJ).

17:30 h - Ana Kiffer (PUC-RJ) – “Da comunidade, entre o intruso e o corpo”;

18:00 h - Marcelo Jacques de Moraes (UFRJ) - "A poesia: lugar comum, lugar sem fim".

Mediação: Ângela Maria Dias (UFF).

melancolia ***

2011-08-31T00:25:00.003-03:00

Não parece mais haver no cinema de Lars Von Trier um “apetite pelo real”. Ele não trabalha mais com imagens do mundo, com um material real sobre a realidade. Von Trier inscreve-se cada vez mais numa certa tendência de um cinema agressivo e manipulador do mal-estar do espectador. Em seus filmes, o cineasta exibe e põe em crise a essência da manipulação cinematográfica, sendo, ao mesmo tempo, manipulador e delator da sua própria manipulação – algo que o diferencia, pra mim, de um realizador como Michael Hanake. Em geral, pelo menos até “Anticristo” (2010), seu último filme, o cinema de Von Trier vinha sendo associado ao termo niilismo. No entanto, Melancolia, no sentido que este seu mais novo longa imprimi a palavra (algo que remonta, como bem delimitou Luiz Felipe Pondé na "Folha", a Sade), parece mesmo uma expressão mais certeira.

Algo estranho se passa com Justine. Em plena festa de casamento ela parece distante. Lars Von Trier alterna cenas da festa (um verdadeiro ritual de gestos e ações protocolares) e sequencias de Justine sozinha, seja em espaços fechados (como quartos ou banheiro), seja do lado de fora da mansão. Justine parece ter flertado com o caos, contemplado o vazio. E a partir daí, como ela mesma diz, será preciso lutar consigo própria para conseguir caminhar e respirar. Não é mais possível voltar atrás, casar ou trabalhar como publicitária. Nem mesmo seu prato preferido pode ser, como antes, saboreado. "A vida na Terra é má", diz ela. "Estamos sós", continua. Para Justine, a questão não é a apenas a sociedade contemporânea ou nem mesmo a raça humana. É a própria vida que é torta, errada, perversa. Melancolia, para Lar Von Trier, nasce desta consciência de que a natureza em si má. E o filme narra a tomada de consciência de Justine. Melancolia é também o nome de um planeta que se chocará com a Terra. Para Justine, é como se o universo dissesse a verdade pela primeira vez. E em uma estranha, porém bela cena narrada pelo ponto de vista de sua irmã, vemos Justine oferecendo seu corpo nu para Melancolia.

miike e conferência no mac

2011-08-29T15:30:00.002-03:00

- Começa amanhã no CCBB uma mostra com filmes do japonês Takashi Miike. Vejam a programação aqui.

- E, também amanhã, a pós da UFF inaugura o segundo semestre com uma palestra de Richard Peña, professor de Estudos Cinematográficos da Columbia University e chefe do setor de programação da Film Society of Lincoln Center, em Nova York. Ele falará sobre o cinema independente negro norte-americano no período da segregação. E a palestra será no MAC de Niterói, de 10h30 a 12h30.

mam

2011-08-26T14:50:00.002-03:00

O MAM do Rio vem exibindo uma pequena mostra chamada "Deleuze/Guattari". A curadoria é de Ruy Gardnier. Vejam só os filmes que serão exibidos neste fim de semana:

sex 26

18h30 – "Ouro e maldição" (1924) de Erich von Stroheim

sab 27

16h – "O demônio das onze horas" (1965) de Jean-Luc Godard

18h – "Deus e o diabo na terra do sol" (1964) de Glauber Rocha

dom 28

16h – O ano passado em Marienbad (1961) de Alain Resnais

18h – "A rotina tem seu encanto" (1962) de Yasujiro Ozu

cineclube cinética

2011-08-24T20:21:00.002-03:00

Amanhã tem Cineclube Cinética lá no IMS. Às 17h será exibido "Aprile" (1998), de Nanni Moretti. Às 19h é a vez de "Capitão Achab" (2007), de Philippe Ramos. Para ler textos sobre os filmes, basta clicar nos títulos.

revista e seminário

2011-08-23T11:16:00.001-03:00

Estréia de uma nova revista online sobre cinema: LOLA, editada por Adrian Martin e Grish Shambu.

E começa dia 25 um seminário bem bacana na UFF: "As redes e a rua: Comunicação e democracia". Vejam a programação:

25 de Agosto | Quinta-feira

Mesa 1 | 9:30 – 12:30

Ivana Bentes | UFRJ

Daniel Aarão Reis | UFF

Renato Lessa | UFF

Coordenação: Isaac Pipano | UFF

Mesa 2 | 14:30 – 17:30

Marcus Faustini | Escritor e gestor público

Pablo Capilé | Fora do Eixo

Renato Roseno | PSOL/Ceará

Coordenação: Rodrigo Capistrano | UFF

26 de Agosto | Sexta-feira

Mesa 3 | 9:30 – 12:30

Fernando Resende | UFF

Fernanda Bruno | UFRJ

Cezar Migliorin | UFF

Coordenação: Edinei Genaro | UFF

Plenária | 14:30 – 17:30

Sistematização dos Debates

Local: Rua Tiradentes, 148, Ingá - Niterói.

redeserua.blogspot.com

super 8 ***

2011-08-21T13:28:00.002-03:00

Como pode um filme basear-se na evocação de um determinado cinema e ao mesmo tempo afirmar-se como uma aventura cinematográfica singular? Como pode um filme valer de uma só vez por seu potencial abstrato e pelas ações concretas narradas? Pois o que está em jogo em “Super 8” não é somente aquilo que vemos nas imagens, sua configuração dramática e narrativa, mas também aquilo que elas são capazes de evocar. Isto, na verdade, está dado já no título. Afinal, o formato super 8 comporta neste filme duas simbologias diferentes: ele é caseiro, intimista, afetivo, documenta momentos banais vividos entre amigos e familiares; ele é também o formato através do qual toda uma geração de artesãos-cineastas começou a dominar o fazer cinema (além do próprio Abrams, conta-se ainda gente como Spielberg e M. Night Shyamalan).

Gostei bastante de “Super 8". É um filme maravilhoso, nostálgico não exatamente por um tempo, por uma juventude que se foi, mas por um certo estilo de filmagem. O filme começa e vemos um céu estrelado, a noite e seus segredos, crianças correndo por uma pequena cidade em bicicletas... “Super 8” lembra logo de cara os filmes (produzidos ou dirigidos) de Steven Spielberg do início dos anos 80. Seus personagens se deparam com um fascinante mistério e tentam investigar por si próprios, em uma aventura entre “E.T.” (1982), “Os Goonies” (1985) e filmes antigos de ficção científica. O que J.J. Abrams deseja é evocar a inocência deste cinema enquanto introduz um nível mais avançado nos efeitos especiais.

Estes, é claro, jamais estão no primeiro plano. Esta talvez seja a grande lição de Spielberg. O filme deve fazer acumular uma certa empatia emocional. E os efeitos funcionam como catalisadores. Este é o papel do aliens de “Super 8”. Ele funciona como um catalisador que impulsiona Joe para frente. Ele estará para sempre no segundo, no fundo. Pois o que importa, em primeira instância, é a história sentimental, os personagens e as situações nas quais eles estão inseridos. É incrível, por exemplo, a associação que o filme nos sugere entre os olhares da mãe de Joe (no filmete caseiro que ele assiste com a menina) e do alien (já no final do longa). Há uma complexa rede simbólica em jogo em torno destes olhares. O olhar da mãe para Joe se equivale ao olhar do monstro para Joe.

george méliès

2011-08-19T09:33:00.002-03:00

Está rolando na Caixa Cultural uma mostra com os filmetes de George Méliès. Em sua maioria, os filmes são projetados, infelizmente, em vídeo. A descrição dos filmes você encontra aqui. Vejam a programação:

Dia 19 de agosto, sexta-feira

Cinema 1 17h

Sessão 9 – Filmes de 1907 e 1908

56 min. Classificação livre

Cinema 2 18h

Sessão 10 – Filmes de 1908 parte I

55 min. Classificação livre

Cinema 1 19h

Sessão 16mm (filmes em película 16mm, com acompanhamento de música ao vivo

30 min. Classificação livre

Dia 20 de agosto, sábado

Cinema 1 17h

Sessão 11 – Filmes de 1908 parte II

53 min. Classificação livre

Cinema 2 18h

Sessão 12 – Filmes de 1908 a 1909

40 min. Classificação livre

Cinema 1 19h

Sessão novas descobertas II (1907 a 1911)

58 min. Classificação 12 anos

Dia 21 de agosto, domingo

Cinema 1 17h

Sessão 13 – Filmes de 1911 e 1912

40 min. Classificação livre

Cinema 2 18h

Sessão 14 – Os últimos filmes (1912 e 1913)

56 min. Classificação livre

Cinema 1 19h

Sessão Panorama

103 min. Classificação 12 anos

THE BAND!!!

2011-08-15T23:56:00.001-03:00

s’en fou La mort ***

2011-08-14T15:53:00.003-03:00

“S’en fou La mort” (1990) é o terceiro filme de Claire Denis. Nele, um longa mais bruto do que “Chocolat” (1988), já é possível identificar a cineasta de “Bom trabalho” (1998), “Desejo e obsessão” (2001), “O intruso” (2004), entre outras grandes obras. Denis deixa-se experimentar a possibilidade de rodar um filme feito de olhares, rostos e corpos. A câmera de Agnes Godard se cola nos personagens e uma profusão sensorial nos impede de concatenar os fatos. A narrativa é passagem, variações sutis de um estado instaurado desde o início do filme. "Todo homem, independente de raça, cor, ou origem, é capaz de tudo e qualquer coisa”, diz Dah (Isaach De Bankolé), citando Chester Himes, logo no início do filme. A violência está sempre na espreita por uma forma que lhe dê vida. “S’em fou La mort” é esta forma. Não há como não pensar em “Galo de briga”, um filme-corpo-estranho de Monte Hellman. Pois mais do que as semelhanças da trama, Denis imprime em seu filme uma sensação muito cara ao cineasta americano: um cinema assombrado pela morte em que se experimenta uma forte sensação de que estamos observando personagens que nunca poderemos realmente entender. Alteridade absoluta.

links

2011-08-11T09:34:00.002-03:00

Alguns links:

Um mesa redonda intitulada "Obscure Objects of Desire: A Jam Session on Non-Narrative", com Raymond Durgnat, David Ehrenstein e Jonathan Rosenbaum.

E, sobre "A árvore da vida", de Terence Malick, que estréia amanhã, uma mesa redonda na CinemaScope, e uma série de textos na Reverse Shot.

desejo e obsessão *****

2011-08-09T09:10:00.002-03:00

"Desejo e obsessão" é sensacional. É um filme que apela discretamente para as convenções do cinema de gênero, mas sem nunca se permitir ser reivindicado por ele. "Desejo e obsessão" poderia ser descrito como um filme de terror ou como uma ficção científica que não age como tal ou jamais sai do armário. O cinema de gênero é como que contrabandeado, infiltra-se na história como uma doença ao mesmo tempo familiar e estranha. Denis demonstra uma capacidade incrível de revisitar narrativas aparentemente esgotadas para reinvesti-las em toda a sua estranheza. A narrativa (ou melhor, os códigos e signos associados a determinados gêneros cinematográficos) funciona como uma forma de negociar a entrada do espectador no filme, é uma espécie de terreno comum (compartilhado pelo filme e pelos espectadores) e que facilita o diálogo.

Denis desfila mais uma vez suas fixações pelo corpo masculino, pelo sêmen, pela pele, pela doença... É um cinema sobre os corpos, seus limites e desejos, sempre em um equilíbrio incrível entre a sua materialidade, sua espessura impenetrável, e o seu sentido ou significado. O que existe são sensações e a consciência destas sensações. Denis faz da sensação a condição de força primordial da realidade. Isso sem falar em momentos de plasticidade incrível. Agnes Godard, a fotógrafa, faz do corpo uma paisagem inexplorada. E a câmera parece filmar pelo toque.

"Desejo e obsessão" é um filme sobre a carne. A "carne" tal como Merleau-Ponty a definia: um conceito (de caráter propriamente ontológico) que expressa a unidade primordial entre corpo e mundo. A carne é "a indivisão entre este ser sensível que eu sou e todo o resto que é sentido em mim". A carne é a espessura entre o que é visto e quem vê. Essa é a substância do cinema de Denis.

kubrick e maristela

2011-08-06T09:08:00.003-03:00

O Cine Jóia exibe hoje em seu cineclube, às 21h30, "Laranja mecânica" (1971), de Stanley Kubrick. A entrada é franca. Senhas serão distribuídas a partir das 20h30.

E no CCBB, com a curadoria de Eduardo Ades e Rafael de Luna, está rolando uma mostra muito legal com os filmes do estúdio paulista Maristela. Vejam a programação:

Sábado (06/08):

- 15h, “Meu destino é pecar”, de Manuel Peluffo (Brasil, 1952). 35mm, 72min, P&B. Não recomendado para menores de 14 anos.

- 17h, “Presença de Anita”, de Ruggero Jacobbi (Brasil, 1951). Não recomendado para menores de 14 anos.

- 19h, “Ana”, de Alex Viany (Brasil, 1955). 25min (curta-metragem), P&B. Não recomendado para menores de 14 anos.

Debate: “Os gêneros no cinema brasileiro: melodramas e aventuras”, com: Rarafel de Luna Freire (curador da mostra) e Mariana Baltar (UFF).

Mediação: João Luiz Vieira (UFF).

Domingo (07/08):

- 15h, “Arara vermelha”, de Tom Payne (Brasil, 1957). 35mm (cópia nova), 97min, P&B. Não recomendado para menores de 14 anos.

- 17h, “O comprador de fazendas”, de Alberto Pieralisi (Brasil, 1951). 35mm, 90min, P&B. Livre.

- 19h, “Mãos sangrentas”, de Carlos Hugo Christensen (Brasil, 1954). Beta, 90min, P&B. Não recomendado para menores de 18 anos.

Terça (09/08):

- 17h, “Susana e o presidente”, de Ruggero Jacobbi (Brasil, 1951). 35mm (cópia nova), P&B, 79min Livre.

- 19h, “Getúlio, glória e drama de um povo”, de Alfredo Palácios (Brasil, 1956). 35mm, 85min, P&B. Livre.

Quarta (10/08):

- 17h, ”Vou te contá…”, de Alfredo Palácios (Brasil, 1958). 35mm (cópia nova), 90min. P&B. Livre.

- 19h, “O cinema nacional em marcha…”, de Jacques Deheinzelin (Brasil, 1951). 35mm (cópia nova), 10min, P&B. Livre

Debate: ”O cinema brasileiro industrial e independente”, com Afrânio Mendes Catani (USP) e Luís Alberto Rocha Melo (UFJF).

Mediação: Rafael de Luna Freire.

Quinta (11/08):

- 17h, “Simão, o caolho”, de Alberto Cavalcanti (Brasil, 1952). 35mm, 95min, P&B. Livre.

- 19h, “Quem matou Anabela?”, de D. A. Hamza (Brasil, 1956). 16mm, 93min, P&B. Não recomendado para menores de 14 anos.

Sexta (12/08):

- 15h, “A pensão de D. Estela”, de Alfredo Palácios e Frenc Frekete (Brasil, 1956). 16mm, 95min, P&B. Livre.

- 17h, “Mulher de verdade”, de Alberto Cavalcanti (Brasil, 1954). 35mm (cópia nova), 107min, P&B. Não recomendado para menores de 14 anos.

- 19h, “Susana e o presidente”, de Ruggero Jacobbi (Brasil, 1951). 35mm (cópia nova), P&B, 79min Livre.

Sábado (13/08):

- 15h, “Getúlio, glória e drama de um povo”, de Alfredo Palácios (Brasil, 1956). 35mm, 85min, P&B. Livre.

- 17h, “A pensão de D. Estela”, de Alfredo Palácios e Frenc Frekete (Brasil, 1956). 16mm, 95min, P&B. Livre.

- 19h, ”Vou te contá…”, de Alfredo Palácios (Brasil, 1958). 35mm (cópia nova), 90min. P&B. Livre.

Domingo (14/08):

- 15h, ”Mulher de verdade”, de Alberto Cavalcanti (Brasil, 1954). 35mm (cópia nova), 107min, P&B. Não recomendado para menores de 14 anos.

- 17h, “Quem matou Anabela?”, de D. A. Hamza (Brasil, 1956). 16mm, 93min, P&B. Não recomendado para menores de 14 anos.

- 19h, “Simão, o caolho”, de Alberto Cavalcanti (Brasil, 1952). 35mm, 95min, P&B. Livre.

jizz in my pants

2011-08-04T00:26:00.001-03:00

serbian film 2

2011-08-02T15:58:00.002-03:00

Hoje cineastas vão se encontrar na Fundição Progresso às 19h30m numa reunião aberta para debater as medidas que podem ser tomadas a fim de derrubar a censura ao "Serbian Film". Além disso, a Cinemateca do Museu de Arte Moderna (MAM) programou exibições de filmes censurados no passado, seguidas de debates.

Domingo, saiu no “Globo” este texto abaixo assinado pelo Marcelo Janot sobre o censurado “Serbian Film”. Não se trata de uma matéria jornalística. Tampouco exatamente de uma crítica. É algo no meio do caminho. Parece-me até certo ponto um retrocesso em relação ao texto do Cezar Migliorin (veja no post abaixo). Janot ficou em cima do muro. Ele não condena de maneira mais incisiva a censura. É entranho como ela é criticada apenas pelo fato de ter dado sobrevida a um filme (segundo ele) ruim “através da pirataria, despertando o interesse de um público infinitamente superior ao que assistiria ao filme pelas vias legais”. Janot tem razão. Mas este não é definitivamente o x da questão. Estamos falando de liberdade de expressão e artística. Estamos falando de censura a um filme que ninguém viu. E o que mais me incomodou mesmo foi está penúltima e incompreensível frase: “E pior: fizeram com que um grupo de abnegados que se mobilizou contra a censura deixasse em muitos a impressão equivocada de estar defendendo um filme que, com ou sem cortes, merecia nada mais do que o completo anonimato”. Como assim?

Leiam o texto:

RIO – Milos é um ex-astro do cinema pornô sérvio. Passando por dificuldades para sustentar a mulher e o filho, ele aceita uma proposta milionária para voltar a atuar em um filme de um misterioso produtor. Desde o momento em que chega ao local das gravações, todos os seus passos são filmados. Ele é forçado a espancar uma mulher que lhe fornece sexo oral ao mesmo tempo em que observa uma adolescente chupando pirulito e se maquiando. Quando o produtor lhe mostra um vídeo em que um homem estupra um recém-nascido logo após o parto, aquilo é a gota d’água para Milos. Mas arrumam um jeito de drogá-lo para que ele volte a filmar e cometa barbaridades ainda piores.

Esta é a sinopse de “A Serbian film – Terror sem limites” (“Srpski film”). A simples leitura do parágrafo acima já insinua algo que se confirma nos primeiros minutos da projeção: o diretor estreante Srjdan Spasojevic fez um filme para chocar, abordando sem sutileza os mais variados tipos de tabus sexuais. Ao oferecê-los sem a menor preocupação de poupar o espectador (com exceção da cena com o recém-nascido, vista de longe e onde percebe-se que se trata de um boneco), e sem contextualizar as violações (que incluem sexo com cadáver e um estupro do filho de 5 anos) dentro do fiapo de roteiro, o diretor deu um tiro $próprio pé. Apesar de justificáveis apenas sob a ótica doentia do personagem do produtor, as cenas são tão gratuitas, grotescas e exageradas que perdem o impacto pretendido.

Nem a presença do bom ator Srdjan Todorovic, conhecido por filmes do diretor bósnio Emir Kusturica, empresta qualidade a essa produção de proposta realista. O que confere ao filme um caráter trash e alguma semelhança com os gore movies, mesmo sem o humor que caracteriza essas produções, é o excesso de tripas e sangue e a ausência de um roteiro consistente. Risíveis são as declarações dadas pelo diretor de que o filme seria uma espécie de metáfora do que passou o povo sérvio nos últimos anos.

Segundo o site IMDB, na Sérvia o filme arrecadou menos de 7 mil. E, por mais que gerasse algum burburinho em exibições esporádicas em festivais, por sua má qualidade artística passaria quase despercebido pelos cinemas onde fosse lançado. E aí quem resolveu dar um tiro no próprio pé foram as autoridades brasileiras. Ao proibirem a exibição do filme, garantiram a ele uma sobrevida com a circulação através da pirataria, despertando o interesse de um público infinitamente superior ao que assistiria ao filme pelas vias legais. E pior: fizeram com que um grupo de abnegados que se mobilizou contra a censura deixasse em muitos a impressão equivocada de estar defendendo um filme que, com ou sem cortes, merecia nada mais do que o completo anonimato. Não se espantem se em breve surgir uma onda de obras à altura da mediocridade de “Um filme sérvio”, já que a publicidade gratuita estará garantida.

serbian film

2011-07-30T09:15:00.002-03:00

Leiam o texto do Cezar Migliorin publicado hoje no "O Globo":

Arte, democracia e a censura a 'A Serbian Film'

Por Cezar Migliorin

Fomos surpreendidos semana passada com a proibição de exibição do filme de ficção “A Serbian Film — Terror sem limites”, de Srdjan Spasojevic, um filme ao qual eu não dedicaria nenhuma linha, não fosse esse evento. A proibição nos joga para uma época em que cabia aos mais diversos poderes — os mais ricos, mais fortes, mais velhos — definir as imagens que poderiam fazer parte da comunidade e aquelas que não poderiam. A escolha das “boas imagens” visava proteger a comunidade impedindo que certas ideias circulassem. Para que esses poderes pudessem assim operar, eles deveriam partir de um desequilíbrio essencial entre aqueles que sabiam julgar as imagens — religiosos, juízes, políticos — e a massa incapaz de fazer uso das imagens. O filósofo francês Jacques Rancière chamou esse tipo de inscrição das imagens na comunidade de um regime ético das imagens. Nesse regime, a noção de arte, criação, invenção não poderia existir ou, pelo menos, não poderia ter nenhuma relevância posto que a pertinência das imagens não se fazia em relação à sua capacidade inventiva ou representacional, mas em relação às crenças da comunidade, ao ethos. Sem a ficção, a imagem é um duplo do evento, ou seja, o evento novamente. Fica claro que nesse regime, sem a ficção, toda imagem que esteja em desacordo com o que desejam os poderes instalados deve ser eliminada.

Em nossa comunidade — Brasil, século XXI — nos organizamos de forma diferente. Trabalhamos com a noção de arte e de ficção, fazendo com que não existam mais os temas que podem ou não fazer parte da criação artística, os assuntos que podem ser representados e os que não podem. Se isso não está claro para o senso comum, está explicito na Constituição. No inciso IX do artigo 5 lemos o seguinte: “é livre a expressão da atividade intelectual, artística, científica e de comunicação, independentemente de censura ou licença”. Rancière poderia dizer que a constituição brasileira se filia a um regime estético das imagens.

No campo estético, imagem é uma forma de reflexão sobre o real

Do regime ético à forma que entendemos as imagens hoje há a introdução da variável ficcional e estética, operando uma mudança decisiva. A imagem deixa de ser a coisa em si, para ser uma forma de reflexão da sociedade sobre o que nela existe. Sejamos contra ou a favor, não podemos impedir que a ficção exista nesses termos, com essa liberdade.

Nossa comunidade, entretanto, proíbe certas práticas: assassinatos, roubos, pornografia infantil, etc. Sendo assim, a proibição do longa-metragem de ficção da Sérvia só poderia ser feita caso ele fosse em si um crime. Caso, por exemplo, houvesse uma cena real de pedofilia, o que não é o caso. Entretanto, o filme foi proibido.

Dizendo-se apoiado no Estatuto da Criança e do Adolescente, o advogado do DEM fez uma leitura do Estatuto como se vivêssemos em um regime em que os poderes devessem julgar as imagens que servem e as que não servem para a comunidade. Como se o partido fosse responsável pela proteção dos incultos indefesos que não têm condições de julgar o que veem e ouvem. A desembargadora de plantão construiu seu parecer dentro do mesmo pressuposto e, rompendo um princípio fundamental da democracia que diz que todos têm igualdade de condições para entender e criticar o mundo, impediu a exibição do filme.

Segundo o Art. 241-C do ECA, é proibido “Simular a participação de criança ou adolescente em cena de sexo explícito ou pornográfica por meio de adulteração, montagem ou modificação de fotografia, vídeo ou qualquer outra forma de representação visual.” Se ignorarmos que as representações visuais fazem parte de uma comunidade em que existe arte e ficção, poderíamos facilmente interpretá-lo como fez a desembargadora e o DEM. Mas é certo que para entender a noção de simulação que está no Estatuto não podemos abandonar a própria comunidade em que o Estatuto foi feito, o Brasil e a sua Constituição.

Nesse sentido, um outro trabalho de interpretação parece necessário. A simulação incide aqui sobre a ideia de parecer real o que é montado, ou seja, dar a impressão de verdade onde há ficção, efetuando, pela montagem, uma falsa impressão de que um crime existiu. No registro ficcional, simular que alguém presenciou um determinado evento é um artifício amplamente utilizado, entretanto algo antecede essa simulação, que é o pacto com o espectador de que aquilo não existiu. No pacto ficcional não há simulação, no sentido de fingimento, apenas uma insinuação sem que o crime se efetive e sem que se possa ter a impressão de que houve crime. No filme em questão, não só não houve crime como a impressão de ter havido crime é restrita ao universo da ficção. Na ficção, a montagem não simula para apagar os limites entre o que é construído como ficção e o que se efetiva na realidade. O estatuto da ficção antecede a impressão de que a criança participou da cena e qualquer público adulto é capaz de compartilhar esse regime de imagens. Entendemos que quando alguém morre em um filme ele não morreu na vida real.

Justiça e DEM querem decidir o que deve ou não ser visto por nós

Chegamos assim ao ponto central de meu argumento. Como sabemos que nenhuma criança foi exposta a situações que a aviltasse, não é tarefa da lei julgar se alguns indivíduos têm ou não a capacidade de lidar com imagens que insinuem pedofilia, como fez a desembargadora ao dizer: “Não se pode admitir e permitir que, em nome da liberdade de expressão, cenas de extrema violência física e moral, inclusive, utilizando recém natos, sejam levadas ao grande público, vez que possam provocar reações adversas, às vezes em cadeia, em pessoas sem equilíbrio emocional e psíquico adequado para suportar tais evidências de desumanidade.”

O texto da desembargadora evidencia um neoplatonismo em que as paixões e as emoções são afetos grandes demais para ficarem nas mãos de artistas e espectadores, por isso devem ser controlados por quem entende o que é bom para a sociedade: a Justiça e o DEM. Trata-se de uma decisão que pode ser ótima para uma comunidade em que as imagens devem guardar continuidade com a vida religiosa ou cívica, mas não para o Brasil. Aqui a liberdade artística é parte do princípio democrático, não somente porque para a arte não há limites entre o que pode ou não ser abordado pelas obras, como não autorizamos nenhum poder a decidir quais são as imagens que devem circular.

Pedofilia, no final das contas, não está em questão nesse caso, mas uma tentativa autoritária em que alguns pretendem dizer o que deve e o que não deve ser visto por nós, pobre massa indefesa. Isso tem um nome: censura. Não, obrigado.

CEZAR MIGLIORIN é professor do Departamento de Cinema e Vídeo da Universidade Federal Fluminense

digital short do zach

2011-07-26T07:51:00.001-03:00

singularidades de uma rapariga loura ***

2011-07-24T13:43:00.003-03:00

É delicioso este filme de Manoel de Oliveira. “Singularidades de uma Rapariga Loura” é uma história amor, um conto sobre os enganos de uma imagem. Um filme cuja tensão nasce entre o que se mostra e o que se esconde, nas entrelinhas. Eu acho bem interessante a maneira como o cineasta sublinha o fato de cada um dos personagens verem o mundo de uma maneira diferente. Gosto muito da interação entre os personagens no trem. Os olhares enviesados dos atores. Ela aos poucos olha mais e mais nos olhos do estranho ao seu lado. É engraçado: é como se este filme fosse a conquista de um olhar, do olhar desta mulher que, como nós, é convidada a entrar na brincadeira.

Manoel de Oliveira não provoca sentimentos ou sensações. É algo de diferente ordem. É bem curioso. Vejamos a cena em que o casal se beija e a câmera corta docemente para o pé da rapariga que então se levanta para trás. Este movimento da perna da rapariga é a materialização de sentimento. É um signo. O cineasta isola o signo em seu sentido. E para fazê-lo, ele vai despindo, através das composições frontais, das atuações estilizadas, da cenografia, os excessos dramáticos ou narrativos. É um trabalho de subtração. E o que fica, curiosamente, é o artifício (e as camadas pelas quais o realizador passou para chegar até ali).

Manoel de Oliveira é um velhinho completamente fascinado por algumas das mais sedimentadas convenções da linguagem do cinema. Como disse uma vez Tag Gallagher a respeito dos Straub, o que me impressiona em algumas passagens deste filme (e do cinema todo de Manoel de Oliveira) não é a subversão às convenções consagradas, mas sua autenticidade. Parece mero jogo de palavras, mas não é. Acho importante por vezes distinguir uma coisa da outra. Manoel de Oliveira, como os Straub, não são cineastas anti-convencionais. Muito pelo contrário. Eles estão a todo momento dialogando com as maias variadas referências, algumas delas consagradas. Seus filmes são como uma árvore genealógica.

filmes pela cidade e um link

2011-07-22T10:27:00.002-03:00

Enquanto o circuito comercial segue bobo, feio e chato, alguns bons filmes serão exibidos na cidade este fim de semana.

No MAM, há uma mostra sobre o cinema maneirista:

22/07, às 18h30

Edward II, de Derek Jarman

23/07

16h - O Fundo do Coração, de Francis Ford Coppola

18h – A Lua na Sarjeta, de Jean-Jacques Beineix

24/07

16h – Daunbailó, de Jim Jarmush

18h – Os Amantes da Pont-Neif, de Leon Carax

No IMS, "Violência e Paixão" e "Rocco e seus irmãos", ambos de Visconti, serão exibidos em diversos horários entre hoje e domingo.

E a revista FOCO lança mais uma nova edição. Agora, sobre James Gray.

riofan

2011-07-20T07:37:00.000-03:00

Começou ontem o RioFan. Vejam a programação aqui.

ricky gervais com legendas

2011-07-18T09:22:00.000-03:00

o corpo

2011-07-16T09:25:00.003-03:00

Outro dia, estava zapeando pela TV e esbarrei nesta cena de perseguição abaixo, de "Caçadores de emoção" (1991), de Kathryn Bigelow. E o que mais me impressionou foi mesmo uma espécie de outro estatuto ou olhar sobre o corpo. Vejam a cena, especialmente a parte da perseguição a pé. É curioso como o corpo neste filme tem os seus limites. Limites físicos mesmo. A câmera não pensa em ultrapassar a porta. E o corte não vem exatamente socorrê-la. Pois "socorro" já seria dizer que a câmera queria ultrapssar aquela porta, seria dizer que o novo olhar que o cinema contemporãneo lança ao corpo já estaria ali prefigurado. E não é isso. Não era impossível técnicamente, era, sobretudo, inimaginável ou sem sentido. Hoje, no entanto, se compararmos esta cena com as perseguições dos filmes do "Homem Aranha", por exemplo, o que vemos é um corpo diferente, maleável, volátil, virtual, talvez mais livre, mas ao mesmo tempo mais arrogante em um certo sentido.

o intruso ****

2011-07-13T20:05:00.002-03:00

"O intruso", de Claire Denis, como que reproduz a percepção de mundo típica de um bebê: confusão sensorial própria a tudo aquilo que vem ao mundo como acontecimento inteiramente novo, singular, diferente. O impacto que este filme nos causa é da ordem do sonho, onde pensamentos, sentimentos e sensações ainda não ganharam forma dentro de uma gramática bem ordenada e lógica. Diante de um filme como este somos afetados por algo que nossas coordenadas não conseguem capturar por inteiro, ordenamos um sentido daquilo independentemente de uma interpretação. Esse é o delicioso mistério de Denis: referir-se às coisas do mundo antes de elas fazerem parte de um mundo. Ao experimentarmos "O intruso" descobrimos que não há nenhum sentido para além da experiência imanente das imagens que as justifique, e que o “ser-no-mundo” se dá primeiramente nesta relação de contigüidade entre corpos.

vers nancy****

2011-07-12T07:20:00.001-03:00

Por alguma razão, não consegui postar os vídeos deste curta da Claire Denis. Mas seguem abaixo os vídeos.

Parte 1

Parte 2

texto

2011-07-10T08:26:00.001-03:00

Segue o link para um texto sobre música eletrônica que escrevi com meu primo, Rafael Bz. Vejam os outros textos da revista. São bacanas.

bamako *****

2011-07-07T17:46:00.002-03:00

“Bamako” (2006) nos lembra que a dominação (política, econômica , técnico e cultural) é hoje reforçada por termos de contrato degradantes e “programas de austeridade”, entre os quais os do Banco Mundial e do FMI, instaurados, é claro, com a ajuda das elites locais, e que impõem regras que os países mais ricos jamais tolerariam. Mas aqui não se trata exatamente de apontar culpabilidades. Em “Bamako” as crianças assistem a um filme na TV chamado “Death in Timbuktu”, uma espécie de western africano cômico com cowboys brancos e negros. No próprio tribunal, temos brancos e negros em ambos os lados. A idéia, me parece, é indicar que a vida de milhões de pessoas é decidida longe de seus universos. E também que, ao contrário do que muitos filmes parecem dizer, os africanos têm sim plena consciência da situação em que se encontram.

“Bamako” também discorre sobre o conceito de “pós-colonialismo”. Adotado no final dos anos 80, o termo foi sendo talvez confusamente universalizado, ferido por certos descuidos e homogeneizações. Em “Crítica da imagem eurocentrica”, Robert Stam e Ella Shohat falam muito bem sobre isso no recorte cinematográfico, afirmando que, dependo do uso que você faz do termo, “o pós-colonial” se torna uma sacanagem conceitual. De certa maneira, é disso também que fala Sissako. O pós-colonial pode evaporar algumas relações de perspectiva, pode obscurecer a presença do colonialismo no presente. Enquanto os meios de comunicação parecem tratar o multiculturalismo como um fenômeno recente, desligado do colonialismo, Sissako baseia o discurso de seu filme em uma longa história de múltiplas opressões específicas.

Mas ao mesmo tempo em que desconfia do termo, “Bamako” parece a ele se referir como uma resposta a uma necessidade genuína de se superar a crise de compreensão produzida pela incapacidade das velhas categorias de explicar o mundo. E, na verdade, o “pós-colonial” não sinaliza apenas uma simples sucessão cronológica do tipo antes/depois. O “pós-colonial” marca a passagem de uma configuração ou conjuntura histórica de poder para outra. Problemas como a dependência, o subdesenvolvimento e a marginalização persistem hoje, mas sob uma nova configuração. O “colonial” não terminou, mas não consegue mais explicar ou entender uma política de cowboys brancos e negros. Como dizem Stuart Hall e Peter Hulme, o termo “pós-colonial” não é avaliativo, mas descritivo.

denis e coleman

2011-07-04T08:45:00.002-03:00

Gosto bastante da comparação que o crítico inglês Jonathan Romney lançou entre “Bom trabalho”, belíssimo filme de Claire Denis, e o Free Jazz de Ornette Coleman. A alusão não poderia ser mais acertada. Em primeiro lugar, porque Denis faz cinema como quem encontra um tom, uma melodia. Em segundo, porque, para Coleman, que jamais gostou do rótulo de Free Jazz imputado ao seu trabalho, suas músicas eram muito pautadas por composições e as improvisações não bastavam. O acaso era, segundo ele, fruto de muito, mas muito trabalho.

jack sparrow

2011-07-02T10:58:00.001-03:00

borat ****

2011-07-01T00:07:00.002-03:00

Eu revi pedaços de "Borat" outro dia. Para quem não lembra, Borat é um repórter da TV estatal do Casaquistão, machista, anti-semita, e hiper-sexualizado. Enviado aos Estados Unidos para uma série de reportagens sobre o modo de vida daquele rico e poderoso país. “Borat” registra as andanças do repórter Cazaque pelos Estados Unidos. Ele aterriza em Nova York, deixa um frango escapar no metrô, pensa que o elevador do hotel é o seu quarto, lava roupa no Central Park, inferniza a vida de algumas feministas, e, por fim, se apaixona por Pamela Anderson. Com medo que os judeus repitam o ataque de 11 de setembro, o repórter convence o produtor Azamat a alugar um pequeno caminhão de sorvete e partir para a Califórnia.

Nas filmagens, Baron Cohen se apresenta como Borat aos entrevistados, convence-os a assinar autorizações para uso de imagens e faz perguntas constrangedoras (“as mulheres devem ser educadas?”, “Qual a melhor arma para se matar um judeu?”). Mas o curioso é que quando Borat despeja um comentário estúpido sobre mulheres, deficientes mentais, e/ou judeus, seus entrevistados tentam ser compreensivos. Afinal, trata-se de um pobre jornalista Cazaque, que se masturba diante de uma vitrine da Victoria Secret, mantém relações sexuais freqüentes com sua irmã, etc.. É como se os entrevistados se sentissem conclamados a orientarem o pobre jornalista Cazaque, ensinando-o a respeito, por exemplo, da etiqueta americana. Porém, aos poucos, o jornalista consegue sem muito esforço declarações a favor da escravidão, do encarceramento de homosexuais, do extermínio de judeus.

Em determinado momento, uma mulher que recebia Borat em sua casa diz que apesar das diferenças culturais, não seria muito difícil americanizar o repórter. Cohen fala então de uma tolerância repressiva, concebida agora como “tolerância” do Outro em sua forma asséptica e benigna. Em “Borat”, multiculturalismo é uma espécie de versão invertida e alto-referencial dos mais variados preconceitos. Quando, por exemplo, Borat ri da idéia de que alguém pode ser contra a crueldade com animais, o que Baron Cohen parece querer nos dizer é que não há como controlar legalmente nossos preconceitos, que dirá exterminá-los. Eles estão aí para serem discutidos. É preciso aceitar o caráter radicalmente antagônico e político da vida social, e admitir a necessidade de se “tomar partido”.

anime japonês

2011-06-28T09:46:00.002-03:00

Começou esta semana a mostra "O universo de Myasaki, Otomo e Kon" lá na Caixa Cultural. Veja a programação aqui.

budapeste e três macacos

2011-06-26T19:40:00.000-03:00

Dois filmes um tanto pedantes. Pedantes em suas estratégias. Pedantes pelo pacto de leitura que propõe ao espectador. Pedantes de maneiras diferentes, mas pedantes assim mesmo.

Walter Carvalho enxerga muito pouco em “Budapeste”. O filme não consegue observar o corpo de uma mulher sem que haja uma luz cortando-a, um espelho que a reflita, um fundo de quadro e uma trilha altamente expressivos. A nudez é sem propósito, banal. Será que o filme é uma tentativa de reprodução do olhar viciado do ghost-writer, muito mais apegado à caligrafia do que com o corpo e a alma daquilo que escreve? Não sei. O fato é que Walter Carvalho sempre foi um cineasta do excesso. Ele aposta sempre no acúmulo e na intensidade dos elementos narrativos. A luz, o som, a música, os cortes e a cenografia sempre vão além. Talvez, tenha ido longe demais. Nesse escancaramento da representação, não vaza realidade, sentimento ou verdade. Símbolos, apenas símbolos. Resta um exibicionismo vazio que jamais alcança os efeitos pretendidos.

Em “3 Macacos”, o esforço é por ser, não exatamente belo e expressivo (como em “Budapeste”), mas inteligente e autoral. Nuri Bilge Ceylan grita por nossa admiração. Grita afinado a um glossário de “cinema de autor contemporâneo” (tempos alongados, incomunicabilidade, o esvaziamento da ação, e a expressão de questões existenciais por intermédio de determinadas sacadas formais), mas que diz muito pouco. Não há nenhum interessa da parte de Ceylan em tornar seus personagens criaturas verdadeiramente humanas. Muito pelo contrário. O que se vê é de um cinismo e de um determinismo atrozes. O político sua como um porco, o marido corno ronca, a esposa adúltera tenta calar a desconfiança do esposo com seus seios e uma lingerie. Ceylan expõe todos os seus personagens ao ridículo. Tudo muito bem pensado e programado. Os ventos ruidosos, as nuvens negras em trânsito, a beleza infindável do oceano, as ruínas de um prédio, ou as angulações tipo câmera de vigilância, tudo impecavelmente e rigorosamente filmado. Auto-afirmação. Nada mais.

gênios do esporte

2011-06-24T09:44:00.000-03:00

links

2011-06-22T08:39:00.001-03:00

- Uma nova edição da "La Furia Umana". É a vez do grande Monte Hellman.

- Uma pauta muito legal sobre Hou Hsiao-Hsien na "Cinética".

- Um podcast bacana sobre crítica de cinema com Jonathan Rosenbaum, Gerald Peary e David Sterritt.

- Uma universidade em Chicago realizou uma conferência sobre crítica de cinema este ano. Estavam presentes Nick Davis, Jonathan Rosenbaum, Fred Camper, Dave Kehr, Gabe Klinger, Scott Foundas, Ignatiy Vishnevetsky, Scott Foundas, etc. Os vídeos dos debates estão disponíveis aqui.

estamos juntos **

2011-06-20T19:45:00.001-03:00

Não gostei muito de “Estamos juntos”. Mas o filme de Toni Venturi dá pano pra manga. Venturi é um realizador diferente. Não está apenas interessado em grandes temas ou questões políticas, mas preocupado com experiências individuais específicas. Isso faz com que seus filmes tentem quase sempre abraçar histórias demais. “Estamos juntos” não foge à regra. É um filme de boas interpretações, embora esteja recheado de idéias um tanto inexplicáveis (como o misterioso personagem amigo Carmem) . O roteiro dá as caras diversas vezes (o final do filme é bastante triste neste sentido).

Em uma ou outra cena, Venturi baixa a bola. A câmera documenta com paciência e atenção os atores interagindo em cena. Gosto bastante da maioria das seqüências entre Carmem e Juan. Outra que me agrada é em que Carmem estaria sendo operada. Uma tela negra. Luzes coloridas. Algumas palavras dela em off. A trilha. Venturi dilata um intervalo entre acontecimentos. O tempo é suspendido. Somos convidados a entrar no filme. A atmosfera criada nesta cena não diz respeito somente a Carmem, mas também a nós espectadores. Venturi não leva isto às últimas, mas pareceu-me um bom refresco.

No entanto, acho que por vezes Venturi põe a carroça à frente dois bois, vai com muita sede ao pote. Vez ou outra o filme escorrega em códigos por demais banalizados (a invasão ao prédio vem com textura diferente, o travelling pelo corpo de Carmem). Noutras, parece suspender o movimento em torno de uma imagem que supostamente simbolizaria tudo o que poderia ser dito a respeito de um personagem, de uma situação ou do próprio filme. Este congelamento, como diria Serge Daney, representa a essência da publicidade e sua busca pela imagem emblemática.

claire denis!!!

2011-06-19T11:48:00.001-03:00

A Caixa Cultural abriga a partir desta terça uma retrospectiva sobre Claire Denis! Não percam! Vejam a programação aqui.

cineclube cinética

2011-06-15T15:07:00.001-03:00

Amanhã tem Cineclube Cinética lá no IMS. Às 17h passa "Acossado" (1960), de Jean-Luc Godard, e, às 19h, é a vez de "Eleição – submundo do poder" (2005), de Johnnie To. Para ler textos sobre os filmes, é có clicar nos títulos.

o viajante ****

2011-06-14T11:53:00.001-03:00

Eu revi outro dia “O Viajante” (1999), de Paulo César Saraceni, outro filmaço. É curioso: lembro de tê-lo visto no cinema, quando tinha 17 ou 18 anos. Recordo-me de ter ficado um pouco aborrecido com o filme... Como as coisas mudam, não é? “O viajante” é um longa disposto a encarar outras ligações que não a da sucessão ou do encadeado. O filme vai e vem, cria relações entre sequencias afastadas uma das outras, entre gestos e movimentos que não são nem do mesmo momento nem da mesma ação. As imagens se repetem, ecoam, ressoam. A montagem une rompendo. Saraceni afrouxa os mecanismos intelectuais e deixa a sensibilidade ocupar os intervalos. É magnífico!

links

2011-06-12T17:29:00.003-03:00

2 links bem bacanas:

Audiovisualcy - Um site de críticas com imagens em movimento. Ainda não vascullhei a coisa. Mas vale dar uma olhada.

Projet: New Cinephilia - É um um site lançado numa cooperação entre o Edinburgh International Film Festival e o MUBI. É uma espécie de simpósio sobre cinefilia e crítica. Alguns posts são muito bons. Sem falar nas mesas redondas.

sob o signo de capricórnio ****

2011-06-10T17:36:00.001-03:00

Gosto muito de uma cena de “Sob o Signo de Capricórnio” (1949), de Hitchcock. O filme se passa na Austrália em pleno século XIX e conta a história de um sujeito inglês que segue para o novo continente para visitar uma prima. Ele chega à casa da prima. Outros convidados também estão por lá. Lady Henrietta Flusky ainda não saiu de seu quarto. Sua ausência é sentida e comentada. Seu marido está visivelmente inquieto. Todos sentam à mesa de jantar. Algo fora de quadro, à esquerda, chama atenção dos presentes. Corte. Grande plano dos pés nus de Ingrid Bergman. Ela parece cansada ou embriagada, não há como definir ao certo. Lady Flusky cumprimenta a todos e se senta. Eu acho genial este corte seco para os pés nus de Bergman. Seus pés são bizarramente inconvenientes, não apenas não combinam com a imagem social transmitida pelos primeiros planos do filme, como afirma uma ruptura, um divisor de águas. Vejam a sequencia abaixo. Ela une os dois posts.

almodovar no caixa

2011-06-07T23:36:00.003-03:00

Começou esta terça uma retrospectiva de Pedro Almodovar no Caixa Cultural - com direito a alguns dos filmes prediletos do cineasta espanhol. Vejam a programação abaixo:

Terça-feira (7/6)

SALA 1
- Às 15h30m: "Pepi, Luci, Bom e outras garotas de montão" (ESP, 1980), 18 anos
- Às 17h15m: "Labirinto de paixões" (ESP, 1982), 18 anos
- Às 19h15m, "Maus hábitos" (ESP, 1983), 18 anos

SALA 2
- Às 16h: "Os olhos sem rosto", De Georges Franju (FRA/ITA, 1960), 12 anos
- Às 18h: "A espinha do diabo", de Guillermo del Toro (ESP, 2001), 14 anos (entrada franca)

Quarta-feira (8/6)

SALA 1
- Às 15h: "Que fiz eu para merecer isto?" (ESP, 1984), 13 anos
- Às 17h: "De salto alto" (ESP, 1991), 16 anos
- Às 19h15m: "Kika" (ESP, 1993), 14 anos

SALA 2
- Às 16h: "Tudo sobre o desejo: O apaixonante cinema de Pedro Almodóvar", de Nick Cory Wright (GBR, 2001), 12 anos
- Às 18h: "Tudo que o céu permite", de Douglas Sirk (EUA, 1955), 14 anos

Quinta-feira (9/6)

SALA 1
- Às 15h15m: "Matador" (ESP, 1985/86), 18 anos
- Às 17h15m, "Ata-me!" (ESP, 1989), 18 anos
- Às 19h: Debate sobre Pedro Almodóvar com Aluízio Abranches e Breno Lira Gomes. Mediação de Mário Abbade

SALA 2
- Às 16h: "Minha vida sem mim", de Isabel Coixet (CAN/ESP, 2003), 12 anos
- Às 18h15m: "Wanda", de Barbara Loden (EUA, 1970), 16 anos

Sexta-feira (10/6)

SALA 1
- Às 15h: "Tudo sobre minha mãe" (ESP, 1999), 14 anos
- Às 17h: "Carne trêmula" (ESP, 1997), 18 anos
- Às 19h: "A lei do desejo" (ESP, 1986), 16 anos

SALA 2
- Às 16h: "A menina santa", de Lucrecia Martel (ARG/FRA/ITA, 2004), 18 anos
- Às 18h15m: "Noites de Cabíria", de Federico Fellini (EUA/ITA, 1957), 16 anos (entrada franca)

Sábado (11/6)

SALA 1
- Às 15h15m: "A flor do meu segredo" (ESP, 1995), 14 anos
- Às 17h15m: "Mulheres à beira de um ataque de nervos" (ESP, 1987), 12 anos
- Às 19h15m: "Que fiz eu para merecer isto?" (ESP, 1995), 13 anos

SALA 2
- Às 16h: "A vida secreta das palavras", de Isabel Coixet (ESP, 2005), 12 anos
- Às 18h15m: "Coração vagabundo", de Fernando Grostein Andrade (BRA, 2008), livre (entrada franca)

Domingo (12/6)

SALA 1
- Às 14h: "Fale com ela" (ESP, 2002), 14 anos
- Às 16h15m: "Má educação" (ESP, 2004), 18 anos
- Às 18h15m: "Volver" (ESP, 2006), 14 anos

SALA 2
- Às 16h: "Horas de desespero", de Michael Cimino (EUA, 1990), 14 anos (entrada franca)
- Às 18h15m: "A tortura do medo", de Michael Powell (GBR, 1960), 16 anos

2011-06-06T09:05:00.000-03:00

- Não teve jeito. Na última aula, conversando com os alunos sobre “A escola do rock”, Ana perguntou se tinham gostado das músicas. Os alunos, claro, não sabiam os nomes das bandas ou das músicas, mas identificaram alguns momentos do filme cujas canções lhes agradaram. Uma no meio do filme – Ramones, explicou a Ana. E a outra, era a última do longa. Neste momento, antes mesmo que a Ana pudesse dizer o nome da banda, aquele aluno dos posts abaixo levantou a mão e disse a palavra mágica: AC/DC! Não é que o muleque foi mesmo pesquisar na Internet! Ainda disse que o primeiro vocalista da banda tinha morrido há muito tempo. A Ana acrescentou que ele havia sido substituído por aquele que era até então o motorista da banda. Os alunos acharam graça disso. Um deles disse: “Meu pai é motorista de Van. Imagina se ele virar o vocalista do Exaltasamba?!”.

- A mostra “Cinema Brasileiro: anos 2000, 10 questões” disponibiliza no site os vídeos de todos os debates (no Rio e em São Paulo), além das transcrições destes em PDF. É só clicar aqui.

- Li neste domingo sobre alguns filmes que estão apostando no esquema de captação coletiva, onde cada pessoa faz uma doação e é recompensada com a feitura do filme em si e com contrapartidas como DVD, camisa, cartaz autografado... E o dinheiro só sai da sua conta caso os produtores consigam atingir o valor que precisam no tempo estipulado. Até aí, a coisa é bem bacana mesmo. Mas vi também que alguns produtores estão pensando na hipótese de oferecer vagas de estágio para quem doar uma certa quantia de dinheiro. Isso eu acho bem, bem bizarro.

a última noite *****

2011-06-04T15:17:00.002-03:00

Revi outro dia este “A última noite” (2002), de Spike Lee. Grande filme! Estava em minha lista dos 20 melhores dos 2000. Spike Lee talvez tenha sido o primeiro cineasta a falar das torres gêmeas. Em determinado momento, dois personagens conversam com o Ground Zero ao fundo. A música marca uma espécie de liturgia. Não se vai falar do 11 de Setembro. Há uma única menção a Osama Bin Laden. Mas essa seqüência marca um período de transição. Algo acabou. Não está mais ali. Essa ausência também diz respeito ao filme. Ela está entranhada na cidade – curioso como Lee filma Nova York em um tempo diferente, como se não a reconhecesse. E nos personagens também. O que os une ficou no passado, algo distante, frágil.

Outra grande cena começa com um “fuck you” escrito no espelho do banheiro. Monty vocifera um monólogo: "Foda-se toda a cidade", diz ele. Segue uma lista de ódio para com todos os grupos étnicos e sociais que compõem Nova York. Lee ilustra esse catálogo com uma seqüência de retratos e a música de Terence Blanchard. O filme não é moralista. Lee nem mesmo afirma ou nega a necessidade de um traficante de drogas ir para a prisão. Na verdade, o cineasta é extremamente ambíguo na maneira pela qual nos mostra o seu protagonista. O que vemos é a história da última noite em liberdade de um traficante em particular e as pessoas que o cercam. Uma história de perda de inocência, que, quando saímos do específico do filme, notamos que também diz respeito a um momento histórico. Lee faz de “A última noite” um trabalho de sucateiro. Seu filme é uma ruína. É um recomeço sem terreno firme.

cinema na escola

2011-06-02T10:06:00.001-03:00

Ana, minha esposa, dá aulas de inglês em colégios públicos aqui do Rio. E semana passada ela começou a passar filmes para os alunos. Primeiro “O âncora”, para alunos de 14 anos, e, depois, “A escola do rock”, para os de 11, 12 anos. Ela me contou tim tim por tim tim o que rolou e eu acabei pensando algumas coisas:

- Em ambas as classes, brigou-se para que o filme fosse exibido com legendas. Os alunos insistiram até o último momento que o filme fosse dublado. Isso é um pouco triste – aliás, conheci alguns dubladores que me contaram como a coisa funciona, e, realmente, pelo menos com os filmes hollywoodianos, não tem como a dublagem ficar boa (com a exceção dos desenhos).

- Nenhum dos alunos conhecia o Jack Black. Caramba: se eles não sabem que é Jack Black é porque não vão nunca ao cinema. No Brasil, sétima arte, é mesmo coisa de classe média.

- Todos os alunos adoraram o Jack Black. Todos.

- Em uma determinada sequencia, “A escola do rock” nos mostra, com Ramones na faixa sonora, pequenos clipes de grandes músicos: Keith Moon na bateria, Jimmy Hendrix na guitarra... Quando Angus Young apareceu, sem camisa, correndo e tocando de um lado ao outro do palco, um menino não se agüentou: “Quem maluco irado professora!”. No fim da aula, ele veio perguntar para a Ana quem era o cara. Pronto! Pra mim, já valeu a pena essa aula. Esse muleque vai procurar o AC/DC na internet. E aí, não tem mais jeito. O rock ganhou mais um adepto.

- Metade da turma viu “O âncora”. Deles, metade gostou. E destes, apenas um ou outro ficaram realmente empolgados com a coisa. A maioria ria apenas das piadas mais físicas e achou o filme muito bobo. Em diversas cenas, a Ana ria sozinha (para a diversão dos alunos). Isso é curioso. Essas novas comédias americanas são aparentemente tão rasteiras, mas, na verdade, se você não tiver uma determinada bagagem, não conseguirá entender grande parte das piadas.

hitchcock!

2011-05-30T19:24:00.002-03:00

Começa amanhã no CCBB uma retrospectiva "completa" de ninguém menos que Alfred Hitchcock. Explico as ": os organizadores dizem ser completa, mas não sei não... Bom, vejam a programação aqui.

howlin' wolf

2011-05-29T09:59:00.000-03:00

Eu queria usar este clipe em um filme... Muito sentimento!

reencontrando a felicidade **

2011-05-25T12:37:00.001-03:00

“Reencontrando a felicidade” é o terceiro longa de John Cameron Mitchell (“Shortbus” e “Hedwig”). Desta vez, ele é diretor contratado – entrou no projeto convidando por Nicole Kidman, que também assina como produtora. Mas o fato é que “Reencontrando a felicidade” lembra em seu melhor os demais filmes de Mitchell. Como “Shortbus” e “Hedwig”, o cineasta filma com muita leveza, trabalhando seus personagens com elegante discrição. A câmera é quase invisível, sempre à serviço dos atores. Mitchell imprime à sua maneira um ritmo flutuante, com picos de intensidade dramática que surgem sem muito alarde. Em alguns momentos, o filme se tornar surpreendentemente divertido, dadas as circunstâncias, em um humor nasce a partir de observações a respeito da natureza humana. Indicada ao Oscar, Nicole Kidman é outro ponto a favor do filme. Em uma interpretação exuberante, ela optou, astutamente, por sublinhar duas feições de Becca: sua raiva incontida e a consciência de que isso não a levará muito longe. A cada seqüência vemos uma personagem que não tem idéia do que fazer, mas sabe que tem de fazer alguma coisa. “Reencontrando a felicidade” afirma mais uma vez um certo cinema da comunhão de Mitchell. O cineasta gosta de personagens tristes, mas jamais niilistas ou cínicos. Eles estão sempre atrás de uma saída, em busca da vida. Um cinema marcado por tragédias, mas disposto a seguir adiante delas.

Talvez o maior problema deste filme seja a auto-consciência deste projeto de comunhão, um certo esquematismo que já dava as caras vez ou outra nos trabalhos de Mitchell e que agora ganhou a maioridade. “Reencontrando a felicidade” é um filme bem comportado, cristalino. A confusão de seus personagens é vista e encenada de maneira imperturbada. Em um longa sobre um casal reagindo à trágica morte de seu único filho, faltam emoções genuínas. A montagem vem embalada em cadeias explicativas. Becca e Howie encontram saídas no mesmo exato momento do filme. Em determinados momentos, Mitchell mais parece um burocrata. E essa burocracia impede que “Reencontrando a felicidade” seja o que pretende: um filme sobre a complexidade da vida, a inconstância das coisas a nossa volta, a memória e o tempo.

andy warhol na caixa

2011-05-23T11:52:00.001-03:00

Começa amanhã na Caixa Cultural uma mostra com filmes de Andy Warhol. Vejam abaixo a programação:

Terça, 24 de maio
15h Sleep (5 horas 21 min)

Quarta, 25 de maio
17h Camp (66 min)
18h30 My Hustler (66 min)
20h The Life of Juanita Castro (66 min)

Quinta, 26 de maio – projeções duplas
15h Lupe (37 min)
16h Outter and Inner Space (33 min)
17h30 Chelsea Girls (3 horas 30 min)

Sexta, 27 de maio
15h Screen Test #1 (66 min)
16h30 Hedy (66 min)
18:30 Kiss (48 min) - sessão com música ao vivo
20h Mario Banana #1 (4 min) + Couch (52 min) - sessão com música ao vivo

Sábado, 28 de maio
16h Rolo 26 dos Screen Tests (40 min)
17h Rolo 25 dos Screen Tests (40 min)
18h I, a Man (95 min)
20h Salvador Dalí (22 min) + Velvet Underground in Boston (34 min)

Domingo, 29 de maio
14h Screen Test #2 (66 min)
15h30 Blow Job (36 min) + Eat (35 min)
17h The Nude Restaurant (100 min)
19h My Hustler (66 min)

Terça, 31 de maio
13h Empire (8 horas 5 min)

Quarta, 1 de junho
16h Salvador Dali (22 min) + Velvet Underground in Boston (34 min)
17h30 Lonesome Cowboys (109 min)
20h Blow Job (36 min) + Eat (35 min)

Quinta, 2 de junho
16h30 I, a Man (95 min)
18h30 Mario Banana #1 (4 min) + Couch (52 min)
20h Kiss (48 min)

Sexta, 3 de junho
16h The Nude Restaurant (100 min)
18h Screen Test #2 (66 min)
19h30 Lonesome Cowboys (109 min)

Sábado, 4 de junho – projeções duplas
15:30h Outter and Inner Space (33 min)
16h30 Lupe (37 min)
17h30 Chelsea Girls (3 horas 30 min)

Domingo, 5 de junho
14h Screen Test #1 (66 min)
15h30 Hedy (66 min)
17h The Life of Juanita Castro (66 min)
18h30 Camp (66 min)

natimorto *

2011-05-20T16:51:00.000-03:00

Eu queria bastante que “Natimorto” fosse um bom filme. Gosto muito de Lourenço Mutarelli, um cara chegado a confissões, que torna verdadeiro tudo que toca, e que jamais nos dá o poder de absolvê-lo. Sempre me pergunto como é possível alguém ter tanta consciência de si mesmo, mas distanciar-se o suficiente para tornar abstrata a sua profunda, extrema e única experiência de vida. “Natimorto”, no entanto, um pouco como “Cheiro do ralo” (outra adaptação de Mutarelli), é um mergulho por demais seguro, controlado, higiênico. Os diálogos entram mal nos ouvidos, reproduzidos, parece, direto do texto original. O jogo de luzes, as contra-ponglés, o grão da fotografia, o vai-e-vem da narrativa, são, pra mim, como um perfex. As vísceras do personagem, seu processo de decomposição, se transformam em algo palatável. Mutarelli precisava de um cineasta como Abel Ferrara.

cineclube cinética

2011-05-18T08:03:00.001-03:00

Amanhã, o Cineclube da Cinétia lá no IMS estará bem especial. Às 17h30, "Lola Montès" (1955), de Max Ophüls, e, às 20h, "A Cicatriz Interior" (1972), de Philippe Garrel. Para ler textos sobre os filmes, é só clicar neles.

bróder **

2011-05-17T08:55:00.002-03:00

“Bróder” é um filme diferente. Estamos mais uma vez na periferia de São Paulo, acompanhando personagens às voltas em situações desfavoráveis. Mas o olhar de Jefferson De é inegavelmente mais próximo do mundo representado. Ele não é um observador distante, mas um olhar mais solidário com as experiências vividas. É um filme por vezes esquemático, mas bem sincero nesse esquematismo. A periferia é, por exemplo, sempre nervosa e explosiva, seja em uma briga entre amigos, seja em um passeio de carro. O que realmente me incomoda em “Bróder” é que essa solidariedade de Jefferson De se transforma muitas em militância por um certo tipo de olhar. Não sei se consigo explicar essa impressão. Vou tentar o filme novamente e depois retomo onde parei.

mostras

2011-05-16T10:52:00.002-03:00

Duas mostras. A primeira começou, na verdade, na semana passada: "20 x Pornochanchada", na Caixa Cultural. Vejam a programação da segunda e última semana da mostra:

Terça feira 17/05
15h Embalos Alucinantes (José Miziara, 1979)
17h A Super Fêmea (Aníbal Massaini Neto, 1973)
19h Bate-papo com o ilustrador e cartazista Benício

Quarta feira 18/05
15h O Olho Mágico do Amor (José Antônio Garcia e Ícaro Martins, 1982)
17h Ainda Agarro Essa Vizinha (Pedro Carlos Rovai, 1974)
19h Giselle (Vitor di Mello, 1980)

Quinta feira 19/05
15h Escola Penal de Meninas Violentadas (Antonio Meliande, 1977)
17h Soninha Toda Pura (Aurélio Teixeira, 1971)
19h Damas do Prazer (Antonio Meliande, 1978)

Sexta feira 20/05
15h Dezenove Mulheres e um Homem (David Cardoso, 1977)
17h Amada Amante (Claudio Cunha, 1978)
19h Ninfas Diabólicas (John Doo, 1979)

Sábado 21/05
15h O Inseto do Amor (Fauzi Mansur, 1980)
17h Snuff – Vítimas do Prazer (Claudio Cunha, 1977)
19h Sábado Alucinante (Claudio Cunha, 1979)

Domingo 22/05
15h Possuídas pelo Pecado (Jean Garret, 1976)
17h Convite ao Prazer (Walter Hugo Khouri, 1980)
19h Sessão de Encerramento: A Ilha dos Prazeres Proibidos (Carlos Reichenbach, 1978)

E a retrospectiva completa da japonesa Naomi Kawase começa amanhã no CCBB. Vejam a programação aqui.

jô suado

2011-05-12T00:08:00.000-03:00

De vez em quando, o "Pânico" acerta:

odete lara no ccbb

2011-05-09T19:37:00.000-03:00

amor? *

2011-05-08T12:57:00.002-03:00

"Amor?” é um filme autodestrutivo. Atores famosos recontam depoimentos sobre histórias de amor que o filme insiste em nos dizer que são verdadeiros. A voz do diretor, suas perguntas, nem sempre são, no entanto, ouvidas, o que me parece já de saída meio estranho. Seguem-se angulações inusitadas de uma mesma entrevista, seqüências intermináveis em super 8, cenas abstratas de sexo e nudez, e “Carinhoso” em versão Sax. Em determinada história, duas atrizes se revezam nos mesmos papéis. Diante disso, faço minha a pergunta feita pelo Fábio de Andrade lá na “Cinética”: o que ganha o filme com a encenação? Nada. Muito pelo contrário: a encenação de João Jardim, muito pouco verdadeira, tende a me afastar das histórias.

Vez ou outra surgem legendas na tela para nos lembrar que determinado gesto ou acontecimento (um celular que toca) realmente aconteceu. Por que isso? Pra mim, essa legenda, muito pelo contrário, nos distancia de uma suposta veracidade daquilo que nos é mostrado. Eu fiquei pensando em Bazin. Pois foi ele quem disse que o realismo no cinema se baseava, não em um entendimento físico da realidade, mas em uma noção psicológica. Quer dizer: o realismo não tem a ver com a acuidade da reprodução, mas com a crença do espectador na origem da reprodução. Para Bazin, a matéria-prima do cinema não é a própria realidade e sim a impressão da realidade deixada na película. Qualquer filme cujo objetivo seja realista, no sentido de colocar a imagem em íntima relação com seu objeto, deve permitir ao evento dramatizado desvendar-se por sua própria conta e assim sinalizar-nos que a imagem que estamos vendo está geneticamente ligada ao evento filmado. “Amor?” nos interdita isto.

kenneth anger

2011-05-04T15:16:00.001-03:00

Começou hoje no CCBB a mostra "Kenneth Anger, o Fetichista Pop". Os filmes serão todos eles exibidos em DVD. Vejam a programação aqui.

carioca revoltado

2011-05-02T08:29:00.001-03:00

serge daney

2011-04-28T22:52:00.001-03:00

"Continuamos a opor termo por termo a encenação (ficção, reconstituição) ao direto (documentação feito ao vivo). Aos excessos de uma encenação fetiche, herdada da cinefilia dos gêneros hollywoodianos, continuamos a opor os méritos do direto, do espontâneo, do vivido, do natural – tudo o que se tornou possível pelo progresso da técnica e que culmina com o “cinema-verdade” dos anos 1960. Essa oposição é um truque. Falando em termos políticos, mesmo “politistas”, é preciso dizer que a burguesia não tem apenas o monopólio das imagens filmadas da realidade, ela tem – prioritariamente para qualquer filme – o monopólio da encenação dessa realidade. Uma cidade, uma sala de cinema, uma clínica são já encenação. Existe de antemão um modo de usar o tempo e o espaço que eles circunscrevem, percursos obrigatórios, os limites e as proibições. Em última análise, é esse modo de utilização que é político (no sentido em que reforça um poder). Quando um cineasta filma esse espaço “ ao vivo” ou o “naturaliza” em uma ficção, n”ao o deixa livre, no entanto, dessa primeira encenação, tanto mais forte porque permanece despercebida, porque existe antes da encenação e, muitas vezes a condiciona. O contrário de uma encenação, não é o direto selvagem, mas uma outra encenação. O contrário do direto não é uma encenação, mas um outro direto. Diverso porque implica uma nova percepção, uma nova posição (espacial, moral, política) do filmador diante daquilo que filma" ("A rampa", pág. 74).

o mundo ****

2011-04-26T20:08:00.002-03:00

Gosto muito de “O mundo”, de Jia Zhang-ke. “O mundo” é, na verdade, o nome do parque temático onde trabalham os personagens do filme. Nele, pode-se visitar imitações reduzidas de monumentos como a Torre Eiffel, as pirâmides do Egito, o Big Ben, a torre de Pisa, etc. É bem curioso como o parque trabalha seus slogans: “veja o mundo sem precisar sair de Pequim” ou “nos dê um dia e lhe mostraremos o mundo”. Os personagens (que trabalham neste lugar, jamais conheceram os monumentos originais, e parecem viajar apenas através das mensagens de celular) atravessam o parque em uma espécie de trem. Eles mesmos dizem estar indo para a França ou voltando do Japão. A viagem leva apenas 15 minutos. Zhang-ke faz uma releitura toda particular dos road-movies. Mas que mundo é esse? Denílson Lopes responde:

“O mundo no filme não é o alvo de uma crítica social simplista, simplesmente o lado não-mostrado pelo caráter ascético, monumental e pasteurizado dos monumentos transformado em cenário e imagem. Sem ser a apoteose festiva do mundo do simulacro encenada numa Las Vegas repleta de neon em plena comemoração de 4 de julho por Coppola em “O Fundo do Coração” (1982); o parque é também uma possibilidade de uma vida melhor para os seus empregados, é espaço de encontro e de sociabilidade, uma paisagem transcultural bem particular, em que as imagens midiáticas do mundo ganham três dimensões e viram lugares por onde se caminha, trabalha e habita. A ênfase longe do tom aventuresco de Wim Wenders muda para o dia a dia, o dinheiro contado, economizado, os pequenos problemas amorosos e familiares, nada de muito épico ou grandioso, nem nos fatos nem nos personagens. O tom é melancólico, em modo menor, mas ainda há uma aposta, no fim do filme, quando supostamente o casal protagonista, formado pela dançarina Tao (Tao Zhao) e pelo vigia Taisheng (Taisheng Chen),_morre devido a um vazamento de gás enquanto estava dormindo”.

coisas

2011-04-25T09:48:00.001-03:00

Vejam isso:

E, na Caixa Cultural, começa amanhã uma mostra com filmes de Rogério Sganzerla. Mas, cuidado: alguns filmes serão exibidos em DVD. Abaixo, segue a programação:

26 de abril, terça-feira, às 18h30, salas 1 e 2

O BANDIDO DA LUZ VERMELHA (de Rogério Sganzerla, Ficção – 35mm - 92 min – PB, Classificação 16 anos)
Após a exibição do filme, haverá coquetel de abertura

27 de abril, quarta-feira

Sala 1, 17h30

ABISMU (1977). (de Rogério Sganzerla, Ficção e documentário – 80 min – COR . 35mm, Classificação 14 anos)

Sala 1, 19h

TUDO É BRASIL (1998). (de Rogério Sganzerla, Documentário – 35mm – 82 min – COR/ PB, Classificação Livre)

28 de abril, quinta-feira

Sala 1, 17h30

NEM TUDO É VERDADE (1985). (De Rogério Sganzerla, Ficção – 35 mm – 95 min – COR/ PB, Classificação 12 anos)

Sala 2, 19h

SEM ESSA, ARANHA (1970). (de Rogério Sganzerla, Ficção – em DVD (versão original em 16mm) - 96 min – COR. Classificação 16 anos)

29 de abril, sexta-feira

Sala 2, 17h30

HISTÓRIAS EM QUADRINHOS (COMICS) (1969). (de Rogério Sganzerla & Álvaro de Moya – em DVD (versão original em 35mm) - 7 min- COR/PB, Classificação Livre)

HORROR PALACE HOTEL (1978). (de Jairo Ferreira - Codireção e montagem: Rogério Sganzerla, Documentário – em DVD(versão original em Super 8) – 50 min – COR, Classificação Livre)

Sala 1, 19h

BELAIR. (de Noa Bressane e Bruno Safadi, Documentário – 35mm – 80min – COR, Classificação Livre)

30 de abril, sábado

Sala 2, 17h30

DOCUMENTÁRIO (1966). (de Rogério Sganzerla, Ficção – em DVD (versão original em 16 mm) – 11 min – PB, Classificação Livre)

ELOGIO DA LUZ (de Joel Pizzini e Paloma Rocha, Vídeo COR/PB 54 min. 2003, Classificação Livre)

Sala 1, 19h

PERIGO NEGRO (1992). (de Rogério Sganzerla, Ficção – 35mm – 27 min – COR, Classificação Livre)

ISTO É NOEL ROSA (1990). (Documentário – 35mm – 43 min – COR. Classificação Livre).

1 de maio, domingo

Sala 1, 17h30

A MULHER DE TODOS (1969). (de Rogério Sganzerla, Ficção – 35mm - 87 min – PB, Classificação 12 anos)

Sala 1, 19h - Debate

3 de maio, terça-feira

Sala 2, 17h30

A MISS E O DINOSSAURO - Bastidores da Belair 2005. (de Helena Ignez, Documentário – em DVD (versão original em Super 8) – 17 minutos – cor, Classificação 16 anos)

A REINVENÇÃO DA RUA (de Helena Ignez, Documentário, digital, 27 minutos, Montagem Rogério Sganzerla. Classificação Livre)

B2 (de Rogério Sganzerla e Sylvio Renoldi, Ficção – em DVD (versão original em 35 mm) – 11 minutos – PB, Classificação Livre)

BRASIL (1981). (De Rogério Sganzerla, Documentário – em DVD (versão original em 35mm) – 12 min – COR, Classificação Livre)

Sala 1, 19h

ABISMU (1977). (De Rogério Sganzerla, Ficção e documentário – 80 min – COR, 35mm, Classificação 14 anos)

4 de maio, quarta-feira

Sala 1, 17:30

O SIGNO DO CAOS (2003). (de Rogério Sganzerla, Ficção – 35mm – 80 min – PB/COR, Classificação 12 anos)

Sala 1, 19h00

O BANDIDO DA LUZ VERMELHA (1968). (de Rogério Sganzerla, Ficção – 35mm - 92 min – PB, Classificação 16 anos)

5 de maio, quinta-feira

Sala 1, 17h30

COPACABANA MON AMOUR (1970). (De Rogério Sganzerla, Ficção – Exibição em 35mm – 85 min – COR, Classificação 16 anos)

Sala 1, 19h00

NEM TUDO É VERDADE (1985). (De Rogério Sganzerla, Ficção – 35 mm – 95 min – COR/ PB, Classificação Livre)

6 de maio, sexta-feira

Sala 1, 17h30

ABISMU (1977). (de Rogério Sganzerla, Ficção e documentário – 80 min – COR, 35mm, Classificação 14 anos)

Sala 2, 19h00

HISTÓRIAS EM QUADRINHOS (COMICS) (1969). (de Rogério Sganzerla & Álvaro de Moya – em DVD (versão original em 35mm) – 7 min- COR/PB, Classificação Livre)

HORROR PALACE HOTEL (1978). (De Jairo Ferreira. Codireção e montagem: Rogério Sganzerla, Documentário – em DVD (versão original em Super 8) – 50 min – COR, Classificação Livre)

DOCUMENTÁRIO (1966). (De Rogério Sganzerla, Ficção – em DVD (versão original em 16 mm) – 11 min – PB, Classificação Livre)

7 de maio, sábado

Sala 2, 17h30

LINGUAGEM DE ORSON WELLES (1990). (de Rogério Sganzerla, Documentário – em DVD (versão original em 35mm) – 22 min – COR/PB, Classificação Livre)

O PETRÓLEO NASCEU NA BAHIA (1981). (de Rogério Sganzerla, Documentário – em DVD (versão original em 16mm) – 9min - PB, Classificação Livre)

VIAGEM E DESCRIÇÃO DO RIO GUANABARA POR OCASIÃO DA FRANÇA ANTÁRTICA (VILLEGAIGNON) (1976). (de Rogério Sganzerla, Documentário – em DVD (versão original em 16mm) – 17 min – COR, Classificação Livre)

ANÔNIMO E INCOMUM – (Vídeo, 1990, Ficção – 13 min – COR – vídeo, Classificação Livre)

INFORMAÇÃO: H. J. KOELLREUTER (2003, Documentário – 18 min – COR, Classificação Livre)

Sala 2, 19h

SEM ESSA, ARANHA (1970). (de Rogério Sganzerla, Ficção – em DVD (versão original em 16mm) – 96 min – COR, Classificação 16 anos)

8 de maio, domingo

Sala 1, 17h30

TUDO É BRASIL (1998). (de Rogério Sganzerla, Documentário – 35mm – 82 min – COR/ PB, Classificação Livre)

Sala 1, 19h

O SIGNO DO CAOS (2003). (de Rogério Sganzerla, Ficção – 35mm – 80 min – PB/COR, Classificação 12 anos)

dicas

2011-04-23T09:45:00.002-03:00

- Um texto bem legal lá no blog do Cezar Migliorin, para se pensar o capitalismo contemporâneo.

- Uma entrevista bem bacana com o Inácio Araújo publicada no "O povo" e no blog de Camila Vieira.

- Esta terça começa no CCBB a mostra "Cinema brasileiro, anos 2000, 10 questões", com a curadoria do Eduardo Valente, Cléber Eduardo e João Luiz Vieira. Neste link, dá pra ver a programação e os textos do catálogo.

vivam as drogas pesadas

2011-04-21T11:05:00.001-03:00

cultura excitada

2011-04-18T16:10:00.002-03:00

Estou cursando uma disciplina na UFF ministrada pela Mariana Baltar. Lemos por lá os dois primeiros capítulos deste livro, “Cultura excitada”, de Christoph Turcke. Eu não o conhecia e confesso não ter gostado muito. Fiquei bastante incomodado com algumas passagens. O Turcke, ao contrário, por exemplo, de Adorno, admite que a indústria cultural é simplesmente inevitável. Mas ele admite isso não sem algum ressentimento. Ele vem de uma herança teórica que costuma atribuir à industria cultural e aos mídia o poder de auto-reificação do homem, tornando-o um simples objeto a serviço da máquina capitalista.

Acho complicado discordar que vivemos em uma sociedade excitada, mergulhada num excitamento contínuo – embora eu não saiba se o efeito desse excitamento possa ser realmente comparado ao das drogas, como parece fazer o Turck. Agora, me incomoda a maneira como ele chega a esse diagnóstico. Porque tantas citações e analogias bíblicas?! Ele estaria comparando esse apego ao excitamento ao fervor religioso? Ou seria uma maneira de dar mais peso ao que ele diz? Para Mariana, esse diálogo teológico diz respeito à própria formação do autor e à tentativa de “atualizar - frente a mudança de paradigma da sensação diagnosticada por ele (essa parte que me interessa mais) - a linha de reflexão de Berkeley (lembre-se, ele um bispo anglicano)”.

O primeiro capítulo traça um panorama de determinados fenômenos de sensação, identificando suas raízes, sua extensão, sua influência. Acho a parte sobre o jornalismo um tanto infeliz. Imprensa quer dizer muitas coisas, comporta uma variedade enorme de discursos e modelos. Não dá para colocar no mesmo saco as coberturas da Segunda Grande Guerra, da Guerra do Vietnam, e das Guerras do Golfo. Por mais que Turck tenha coisas pertinentes a dizer (“Não é mais suficiente que os acontecimentos sejam por si só explosivos, confeccionados de forma chamativa, ou que tenham as manchetes gritadas como nas edições extras de outrora; o meio audiovisual necessita mobilizar todas as forças específicas de sue gênero e ministrar a notícia com toa a violência de uma injeção multissensorial”), ele o faz não sem algumas simplificações.

O segundo capítulo faz uma espécie de histórico dos significados do conceito de sensação da Renascença até a Revolução Francesa. Esse histórico, para o Turck, seria uma maneira de constatar a gradativa constituição de uma sociedade da excitação. O que é estranho é que Turck começa em Aristóteles, passa por Locke e termina em Berkeley. É como se não tivéssemos nenhuma alternativa não dualista, que não hierarquizasse em níveis de importância o intelecto e os sentidos. Turcke pergunta algo que, segundo ele, “ainda não foi respondido a contento: o que ocorreria se os homens fossem tão essencialmente seres sentitivos, de maneira que todas as suas idéias e conceitos a respeito do verdadeiro, do bem, do belo e do divino não fossem senão sensações, ou seja, correspondessem a meras excitações nervosas?” Eu acho que essa pergunta não faz nenhum sentido.

Nas entrelinhas, Turck parece insistir na necessidade de se confrontar essa “cultura excitada”. Eu não entendo bem porque. O cinema contemporâneo (Claire Denis, Pedro Costa, Apichatpong, Abel Ferarra entre outros) que mais gosto, por exemplo, abdica das narrativas totalizantes e aposta no menor. Mas não se trata de fazer oposição a um estado de coisas midiático. O desejo não é pelo contraplano, pelo antagonismo. È um cinema que assumem sua marginalidade, aceita o exílio no interior das práticas cinematográficas majoritárias. Um cinema menor diria Deleuze.