guerra dos mundos ****

Vi “Guerra dos mundos” (2005) pela primeira vez em Istambul. Gosto de ir ao cinema quando viajo. Em Istambul, por exemplo, para minha surpresa, todo filme tem seu intervalo. As pessoas conversam sobre o longa, usam o celular, vão ao banheiro, compram pipoca... Na saída, distraído, entre a Europa e a Ásia, acabei sendo roubado. Não teve muito jeito. “Guerra dos mundos” foi pro saco. Só de pensar... Pois no início desse ano, não é que o filme de Steven Spielberg ficou entre os dez da década no ranking da “Cahiers du Cinéma”. Não só isso. Nesta edição da revista, o coreano Bong Joon-ho (“The host”) e o japonês Kiyoshi Kurosawa (“Cure”), dois dos cineastas que mais gosto hoje, conversam brevemente sobre o longa e o segundo assina um pequeno texto sobre o realizador americano. Estava mesmo na hora de voltar a “Guerra dos mundos”.

Spielberg sempre investe em ritos de passagem. E “Guerra dos mundos” esbanja uma incrível força de síntese. Bastam duas seqüências: o protagonista nos é apresentado, um perfil é esboçado, a curva do personagem nos é sugerida. Pronto. Ou talvez não. Pois Ray (Tom Cruise) é muito mais que um protagonista. Ele é a própria condição de possibilidade, uma espécie de pré-requisito. Sem ele, não vemos, não há nada. Não há explicações para a invasão. Onde estão os chefes de estado? O próprio desaparecimento do filho do personagem parece esclarecer essa tomada de posição. Uma posição reforçada a todo o momento, a cada plano. A narrativa estará colocada ao protagonista para todo o filme. E Ray é diferente. Não é um personagem típico de Spielberg. Ele é excessivo, recheado de defeitos. Um sujeito bom, mas que parece sempre fazer errado. Spielberg me surpreende. “Guerra dos mundos” é barra pesada. Um drama bem duro sobre a paternidade. Um suspense assustador. É bem verdade que o final é decepcionante, embora esperado, mas “Guerra dos mundos” desfila tenso, camada por camada, em uma atmosfera de crescente desespero.

três

- Muito bom o caderno "Prosa e Vero" ("O Globo") deste último sábado: ótima entrevista com Terry Eagleton, boas resenhas sobre livros de Haroldo de Campos e Walter Benjamin e o belíssimo artigo de Felipe Bragança sobre Cannes, fantasmas e cinema comtemporâneo. Tentei encontrar o caderno no site para colar o link aqui, mas não consegui...

- Transmissão do jogo Argentina e México no Sportv. Narração do ótimo Milton Leite e comentários de Maurício Noriega.
ML: E o Messi ainda não fez gol nessa Copa.
MN: Pois é. Será que tá guardado?
ML: Não, acho que não. O Guardado* já saiu faz tempo.

* jogador do méxico

- Parece-me que o episódio Dunga/Escobar andou confundindo a coisa. O problema do Dunga não é somente com a Globo... Mas, enfim, mesmo o Escobar sendo funcionário da Globo, isso aí abaixo é um tanto bizarro:

trailers

Ontem, vi "Kick Ass". Não tenho o que dizer sobre o filme. Na verdade, o que mais gostei foram mesmo os trailers: "Os mercenários", projeto de Sylvester Stallone, com um elenco estratosférico, filme sujo, burro, despretensioso... do caralho; e o enigmático "O último mestre do ar", o novo M. Night Shyamalan, que, dessa vez, parece-me que resolveu ir para o tudo ou nada. Vejam abaixo:

tren de sombras

Sexta, vi "Tren de sombras" (1997), de José Luís Guerin. Não faz, definitivamente, o meu gênero, embora seja um belo filme. Errante quase ao arbitrário. Melancólico bem ao estilo espanhol. Um filme corajoso. Guerin toma liberdade para se perguntar: O que revelam imagens em movimento? O que pode o cinema?

quincas berro d'água **

A Cidade Baixa de Salvador é mais uma vez um componente de extrema importância. Um espaço que impregna os seres que o habitam de forma pegajosa. Há uma espécie promíscua de energia pairando pelos cenários. É lá que os personagens compartilham suas experiências.Vez ou outra, um olhar e ou um close de “Quincas” evocam seu antecessor e o talento do cineasta para nos instalar sensorialmente no clima sugerido. Enquanto o seu penúltimo filme operava numa fruição narrativa em que importava menos o que acontecia do que como acontecia, “Quincas” se afirma no desenrolar lúdico das aventuras de seus personagens. Há mais uma vez uma atenção cuidadosa aos movimentos corporais, aos traços descritos pelos gestos. Desta vez, no entanto, esses elementos não marcam a condução de uma narrativa de sentimentos, mas buscam, em especial quando os quatro mosqueteiros de Quincas (Flávio Bauraqui, Irandhir Santos, Luis Miranda e Frank Menezes) estão em cena, uma comédia física. O universo de Jorge Amado está lá, nas texturas, nos cenários, nos cheiros, nos ritmos, nas cores, nos corpos suados. Mas todos estes elementos são trabalhados em um tom fantástico, porém sutil, sem exageros. Ao contrário de “Cidade Baixa”, que operava em uma espécie de realismo expressivo, “Quincas” parece exacerbar a realidade e assumir por vezes o jeitão de uma farsa. Talvez seja mais complicado do que isso. “Quincas” é um filme enamorado pelo fantástico, embora cheio de verdade; um longa que beira por vez o surreal, mas se afirma realista na encenação – uma mescla que faz lembrar o cinema de Kusturica e algumas comédias italianas de Mario e Dino Risi. Vejamos as atuações. Os atores são os grandes propulsores de “Quincas”. E Sérgio demonstra mais uma vez um enorme apreço por seus personagens, abraçando todas as suas falhas de caráter e enganos. Como em “Cidade Baixa”, o cineasta se interessa profundamente pela falibilidade do ser humano. O que nos impressiona, no entanto, é que, no caso deste longa, falar sobre a qualidade da interpretação dos personagem não é defender um realismo-naturalista. Muito pelo contrário. As atuações de “Quincas” parecem irmanadas com as atuações de seus personagens em cena. A carnavalização como uma maneira de ver o mundo pelo avesso, como manifestação de desvios e inversão de costumes. A sensação é curiosa: estamos no terreno dos adereços, das fantasias, da farra e do insólito, embora “Quincas” pareça por vezes reivindicar fidelidade em relação aos comportamentos humanos, um compromisso com o retrato de um espaço ou de uma comunidade. Em alguns momentos, “Quincas” é delirante na sua energia, como se o filme entrasse em transe e sublimasse seus temas. Esta energia que emana dos quatro súditos de Quincas e de Manuela não se mantém por muito tempo. Neste sentido, este é um filme de alguns hiatos. Mas mais do que isso. “Quincas” é um filme extremamente “pensado”. Um longa que, ao se desenrolar, pensa a sua própria caminhada. Uma carnavalização controlada.

artigo

Resumo de um texto meu pulicado na Revista Fronteiras:

O objetivo deste artigo é observar como o cinema enquadra o Holocausto, problematizando uma discussão cada vez mais frequente da banalização do Holocausto no cinema: a banalidade do mal multiplicada pelo mal da banalidade. Analisamos três filmes recentes (O Leitor, Operação Valquíria, e A queda!) e a obra Shoah (1985), para pensar sobre a memória e a responsabilidade que ela encerra: lembrar para que não se repita, sem permitir que essa lembrança se torne um produto. Nesse sentido, nos aproximamos de Walter Benjamin e de seus conceitos de rememoração e história. Por fim, tratamos do longa A questão humana, um filme diferente sobre o nazismo.

josé luis guerín

Começou hoje uma pequena mostra de filmes do espanhol José Luis Guerín, lá no Fórum de Ciência e Cultura da UFRJ. Entrada Franca. Sempre às 19 h. Os filmes são apresentados em DVD, com legendas em espanhol.

16 de junho -4ª. Feira

Una fotos en La ciudad de Sylvia (2007)

17 de junho - 5ª. Feira

En La ciudad de Sylvia (2007)

18 de junho - 6ª. Feira

Tren de sombras (1997)

cineclube cinética

Hoje tem Cineclube Cinética lá no Instituto Moreira Salles. Serão exibidos "Crônica da Inocência" (2000), de Raoul Ruiz, às 17h15, e "Morte em Veneza" (1971), de Luchino Visconti, às 19h. Clicando nos filmes, vocês têm acesso os textos referentes a eles.

maurice pialat

Você disse que em “La Gueule ouverte” teria ficado perto demais de Bresson, acrescentando um "infelizmente". O que você quis dizer com isso?

Pialat: Eu estava pensando em sua forma, que no final é bastante elaborada. É um filme um pouco frio, cujas qualidades dependem por um certo tempo de sua estética. Para mim, como regra geral, o texto e as atuações têm de assumir a primeira posição. Estou feliz que a qualidade da fotografia seja satisfatória, mas não é isso que eu estou procurando acima de tudo. Há sempre muito esteticismo. O que eu gostaria de fazer algum dia é um filme onde nós filmaríamos da forma mais natural possível, colado o mais perto possível da realidade. O meu ideal é um plano-sequência em que um ponto de vista é expresso em cima de uma coisa que está sendo produzida naquele exato instante. Assim que você começa a cortar, a fragmentar aquele instante, ou voltar a ele por um outro ângulo, a verdade acaba escapando, já que você está tentando re-produzir aquilo que, por definição, só se produz apenas uma vez. O que não quer dizer que eu queria deixar os cabos entrarem em quadro, mas não havia nenhum pensamento particular impregnando aqueles enquadramentos. Se eu gosto de trabalhar com Almendros (diretor de fotografia) é porque ele foi mais longe do que qualquer outro câmera na preparação da iluminação natural. Há ainda um número considerável de problemas no que concerne as cores, vamos ter de esperar muitos anos antes de chegar a algo satisfatório, antes de acabar completamente com a iluminação, um artifício que me incomoda.

Vestir uma locação é, naturalmente, uma necessidade. Você sempre tem que fazê-lo no último minuto. Se eu fosse filmar nesta sala, eu começaria movendo esta mesa. Eu ia arranjar estas cadeiras de uma maneira diferente, e, pouco a pouco, chegaria a um tableau, a um artifício ...

bresson

Bresson, em uma entrevista a Michel Ciment para a revista “Positif”, em 1983:

Você tem que seguir a sua sensibilidade. Não há mais nada. Eu fui chamado de intelectual, mas é claro que não o sou. Escrever é incrivelmente difícil, mas tenho de fazê-lo, porque tudo deve ser vir de mim. Eu fui chamado de jansenista, o que é uma loucura. Eu sou o oposto. Estou interessado em minhas impressões. Vou dar um exemplo, tirado de ‘L'Argent’. Quando eu estou nos Grand Boulevards, a primeira coisa que eu penso é ‘Como eu os percebo? E a resposta é que percebo os Boulevards como uma massa de pernas e som dos pés no pavimento. Eu tentei comunicar essa impressão através da imagem e do som ... Deve sempre haver um choque ao se fazer isso, um sentimento de que os seres humanos e as coisas que estão sendo filmados são novos, você tem que jogar surpresas no filme. Foi o que aconteceu na cena dos Grands Boulevards ... Eu posso sentir as etapas, concentrei-me nas pernas do protagonista, e assim pude encaminhá-lo através da multidão até aonde ele precisava ir. Esses são os Grand Boulevards, pelo menos no que me concerne, todo o movimento. Caso contrário, eu poderia muito bem ter usado um cartão-postal. O que me surpreendia quando eu costumava ir ao cinema era que tudo tinha sido programado antecipadamente, até o último detalhe ... Pintores não sabem de antemão como terminaram uma pintura, um escultor não pode dizer como sua escultura será, um poeta não planeja um poema com antecedência ...

Você deve ter notado que, em "L'Argent", há uma série de close-ups cuja única função é a de adicionar sensação. Quando o pai, um pianista, deixa um vidro cair no chão, sua filha está na cozinha. A pá de lixo as esponjas dela estão prontas para serem usadas. Eu não entro no quarto, mas corto imediatamente para um close de que eu gosto muito, o piso molhado ao som da esponja. Isso é música, ritmo, sensação ... Cada vez mais, o que procuro - e em "L'Argent" isso se tornou um método de trabalho - é comunicar a maneira que eu sinto as coisas.

curta de chris marker com legendas em português

o nundo imaginário do dr. parnassus

Poucas filmografias são tão facilmente reconhecíveis como a de Terry Gilliam. Vejam só: uma carroça secular de teatro mambembe desfila pela Londres contemporânea. Um ator fala dos poderes do Doutor Parnassus. Aqueles que adentrarem o espelho que figura no meio do palco encontrarão um mundo onírico (entenderemos cenas mais tarde que este universo reflete o imaginário daquele que atravessa o espelho). Essas cenas iniciais seguem embaladas em ângulos estranhos, jogos de filtros de imagem e composições inusitadas. “O imaginário do Doutor Parnassus”, o próprio título do filme é puro Gilliam. Mais do que isso. Este seu mais novo longa (que quase foi cancelado depois da morte repentina de seu protagonista, Heath Ledger) vem igualmente recheado dos acertos e fracassos típicos deste cineasta bem particular.

Este é o primeiro roteiro original escrito por Gilliam (com a ajuda de Charles McKeown) desde “Brazil” (1985). E, como não poderia ser diferente, a narrativa prima pela sua natureza digressiva, pelos seus desvios fantasiosos. A primeira metade do longa mais parece um quebra-cabeça que não se encaixa, um disco arranhado que corre de repente do ponto A ao C, sem jamais passar pelo B. Gilliam nunca foi famoso pela economia narrativa. Seu cinema é exagerado e aparentemente indeciso quanto aos caminhos a percorrer. Os diálogos são reiterativos, insistentes no que concerne os contornos da história narrada.

“Doutor Parnassus”, no entanto, funciona muito melhor em sua segunda metade, quando os personagens passam a maior parte do tempo dentro do mundo imaginário que se encontra por detrás do espelho. O filme explora mais o humor particular do cineasta. Gilliam recorre ao desenho animado, lembrando as vinhetas que fazia para o seminal grupo de comédia britânico Monty Python. O filme pára, ganha a energia e o espírito anárquico dos melhores trabalhos do cineasta. Ao contrário de um Peter Jackson (“Um olhar do paraíso”), Gilliam não almeja nenhuma verossimilhança, não deseja um mundo de sonhos. É bem mais do que isso. E a imagem quase não suporta os delírios deste cineasta, que ultrapassam os limites materiais dos corpos. É aqui que Gilliam se sente em casa.

É preciso simpatizar com essa queda declarada pelo exagero e pelo humor esquisito de Gilliam. Ao longo do caminho, “Doutor Parnassus” sai dos trilhos, perde o ritmo e qualquer sentido. Mas Gilliam é bastante sedutor em sua fidelidade radical àquilo que lhe dá mais prazer.

mais stewie

incrível

o tempo que resta 2

Revendo o filme de Elia Suleiman, lembrei de Blanchot, que falava da atemporalidade do devir da arte: “o que nos seduz e o que nos dá prazer, porque isso é o que esperamos da arte: que, desde seu nascimento, deva afirmar-se, e que, cada vez que se afirme, deva ser seu nascimento perpétuo”.

o que resta do tempo

Elia Suleiman fecha sua trilogia (“Crônica de uma Desaparição” e “Intervenção divina”) sobre o conturbado cotidiano do povo palestino. Filmaço:

- A imagem é centrífuga. O quadro é visível. O quadro como um operador de uma certa vista. O quadro dá a ver e ao mesmo tempo enclausura nosso olhar. O quadro como uma janela.

- É o nosso olhar que dá vida ao plano. O plano é um espaço a ser preenchido como prática de uma arte da duração e das distâncias calculadas (entre os personagens, entre fundo e superfície, etc).

- Um filme de esquetes. O que as une é um sentimento de violência iminente, de repetição. A mise-en-scène é um ritmo sincopado assumido pela montagem, pela música, pelos atores, e ligado à intensidade emocional.

- De onde se vê aquilo que se vê? Do ponto de vista de quem a história é contada? A imagem é atribuível a um personagem ou ao filme? Ao mesmo tempo: o plano parece sempre e antes de tudo a encarnação de um ponto de vista. Um ponto no e do espaço. Fixo, ligeiramente móvel e aparentemente banal. Um ponto que qualquer um poderia ocupar. Estranho, não é? Nada separa aquele que filma do que é filmado.

- Na verdade, o mundo que se ordena a partir de Suleiman, prescinde dele. Como o Hulot de Jacques Tati, Suleiman não passa de uma testemunha. Ele é um homem qualquer. Sua psicologia se reduz a uma técnica do comportamento. O personagem não é um fim em si, mas um catalizador.

- Ao mesmo tempo em que constrói um mundo plausível e torna possível uma leitura literal da história, Suleiman não parece se preocupar com a coerência e a verossimilhança, tampouco desfila um encadeamento pleno, motivado, contínuo, de ações, ou aposta na construção psicológica dos personagens. Suleiman mimetiza o mundo de que trata em lugar de apenas descrevê-lo.

- Suleiman crê em uma noção diferente de história. Falar dela é transformá-la. Ele sabe disso e intervém com uma fina ironia e um humor desesperado. Realizar: converter em coisa o que por si mesmo não o é. E assim, suas imagens carregam uma sugestiva força política e muito carinho.

tudo pode dar certo 2

Gosto do filme, embora uma coisa ou outra me incomodem um pouco: a novayorkização pela qual passam os personagens (ninguém passa impune por ela; todos nela se transformam para, segundo o filme, muito melhor) e toda aquela balela do intelectual amigo de Boris que, como ele mesmo diz, já escreveu sobre a "estética da fotografia", e, por isso, tem autoridade para decretar a qualidade das fotos da mãe da protagonista (fotos estas que nunca nos são mostradas). Além disso, o ritmo do longa cai um pouco lá pela sua metade.

tudo pode dar certo

Allen ainda é muito acusado de preguiça estética. Mas ele jamais se esconde. O que dizer da primeira tentativa de suicídio de Boris? Não conseguimos vê-lo a maior parte da seqüência. Ele se encontra atrás da mesa de bar. Segue um close inesperado da mulher do protagonista e o som de Boris se jogando da janela. Estranho, não é? Pois em outro momento, Melodie chega em casa depois de sair com um rapaz e conversa com Boris. Tudo o que se precisa saber sobre a relação deles está ali, na disposição dos atores dentro do quadro, na linguagem corporal deles, no ligeiro movimento de câmera (que sai dele na direção dela), e no diálogo. Um olhar um pouco mais cuidadoso não deixaria passar: os atores não estão andando a esmo pelo quadro, os objetos de cena são sublinhados aqui e ali, e as locações são parte integrante daquilo que se mostra e diz. Não é preguiça. “Tudo pode dar certo” é um filme transparente. Como tem sido de praxe em seus filmes londrinos, Allen vai sempre direto ao ponto. A câmera, os diálogos, os atores, tudo a nosso serviço.

raros no ccbb

Começou ontem a mostra "Clássicos e Raros do Nosso Cinema – 2ª Edição", no CCBB do Rio. A programação:

12 de maio | QUARTA
15h00 | NEM SANSÃO NEM DALILA de Carlos Manga Rio de Janeiro, 1954, 35mm, pb, 90’
17h00 | O MATADOR PROFISSIONAL de Jece Valadão Rio de Janeiro, 1969, 35mm, cor, 80’
19h30 | LILIAN M: RELATÓRIO CONFIDENCIAL de Carlos Reichenbach São Paulo, 1975, 35mm, cor, 120’

13 de maio | QUINTA
15h00 | LILIAN M: RELATÓRIO CONFIDENCIAL de Carlos Reichenbach São Paulo, 1975, 35mm, cor, 120’
17h00 | NEM SANSÃO NEM DALILA de Carlos Manga Rio de Janeiro, 1954, 35mm, pb, 90’
19h30 | O MATADOR PROFISSIONAL de Jece Valadão Rio de Janeiro, 1969, 35mm, cor, 80’

14 de maio | SEXTA
15h00 | TERRA EM TRANSE de Glauber Rocha Rio de Janeiro, 1967, 35mm, pb, 107’
17h00 | NINFAS DIABÓLICAS de John Doo São Paulo, 1978, 35mm, cor, 85’
19h30 | UMA AVENTURA AOS 40 de Silveira Sampaio Rio de Janeiro, 1947, 35mm, pb, 77’

15 de maio | SÁBADO
17h00 | UMA AVENTURA AOS 40 de Silveira Sampaio Rio de Janeiro, 1947, 35mm, pb, 77’
19h30 | NINFAS DIABÓLICAS de John Doo São Paulo, 1978, 35mm, cor, 85’

16 de maio | DOMINGO
15h00 | NINFAS DIABÓLICAS de John Doo São Paulo, 1978, 35mm, cor, 85’
17h00 | UMA AVENTURA AOS 40 de Silveira Sampaio Rio de Janeiro, 1947, 35mm, pb, 77’
19h00 | TERRA EM TRANSE de Glauber Rocha Rio de Janeiro, 1967, 35mm, pb, 107’

18 de maio | TERÇA
15h00 | OS DESCLASSIFICADOS de Clery Cunha São Paulo, 1972, 35mm, cor, 92’
17h00 | DAMAS DO PRAZER de Antonio Meliande São Paulo, 1979, 35mm, cor, 82’
19h30 | BONITINHA, MAS ORDINÁRIA de J. P. de Carvalho Rio de Janeiro, 1963, 35mm, pb, 100’

19 de maio | QUARTA
17h00 | OS DESCLASSIFICADOS de Clery Cunha São Paulo, 1972, 35mm, cor, 92’
19h30 |ENCONTRO COM CLERY CUNHA

20 de maio | QUINTA
15h00 | MACACO FEIO... MACACO BONITO... de Luiz Seel RJ, 1929 pb, 5’ | Exibição em 35mm
O SACI, de Rodolfo Nanni | São Paulo, 1953, 35mm, pb, 65’
17h00 | BONITINHA, MAS ORDINÁRIA de J. P. de Carvalho Rio de Janeiro, 1963, 35mm, pb, 100’
19h30 | DAMAS DO PRAZER de Antonio Meliande São Paulo, 1979, 35mm, cor, 82’

21 de maio | SEXTA
14h30 | PERFUME DE GARDÊNIA de Guilherme de Almeida Prado São Paulo, 1992, 35mm, cor, 118’
17h00 | JUVENTUDE SEM AMANHÃ de Elzevir Pereira da Silva e João Cézar Galvão RJ 1959, 35mm, pb, 75’
19h30 | É SIMONAL de Domingos Oliveira Rio de Janeiro, 1970, 35mm, cor, 95’

22 de maio | SÁBADO
14h30 | É SIMONAL de Domingos Oliveira Rio de Janeiro, 1970, 35mm, cor, 95’
16h30 | PERFUME DE GARDÊNIA de Guilherme de Almeida Prado São Paulo, 1992, 35mm, cor, 118’
19h30 | JUVENTUDE SEM AMANHÃ de Elzevir Pereira da Silva e João Cézar Galvão RJ, 1959, 35mm, pb, 75’

23 de maio | DOMINGO
15h00 | JUVENTUDE SEM AMANHÃ de Elzevir Pereira da Silva e João Cézar Galvão RJ 1959, 35mm, pb, 75’
17h00 | É SIMONAL de Domingos Oliveira Rio de Janeiro, 1970, 35mm, cor, 95’
19h00 | ENCONTRO COM DOMINGOS OLIVEIRA

25 de maio | TERÇA
15h00 | PREÇO DE UM DESEJO de Aluizio T. de Carvalho Rio de Janeiro, 1952, 35mm, pb, 90’
17h00 | GREGÓRIO 38 de Alex Prado São Paulo, 1969, 35mm, pb, 88’
19h30 | A GRANDE FEIRA de Roberto Pires Salvador, 1961, 35mm, pb, 94’

26 de maio | QUARTA
15h00 | O PAGADOR DE PROMESSAS de Anselmo Duarte São Paulo, 1962, 35mm, pb, 96’
17h00 | CAVEIRA MY FRIEND de Álvaro Guimarães Salvador, 1970, 35mm, pb, 84’
19h30 | GREGÓRIO 38 de Alex Prado São Paulo, 1969, 35mm, pb, 88’

27 de maio | QUINTA
15h00 | VIAGEM AO FIM DO MUNDO de Fernando Cony Campos Rio de Janeiro, 1968, 35mm, pb, 95’
17h00 | PREÇO DE UM DESEJO de Aluizio T. de Carvalho Rio de Janeiro, 1952, 35mm, pb, 90’
19h30 | ENCONTRO COM ALOI SIO T. DE CARVALHO

28 de maio | SEXTA
15h00 | CALA A BOCA ETELVINA de Eurides Ramos Rio de Janeiro, 1958, 35mm, pb, 102’
17h00 | A MULHER DE TODOS de Rogério Sganzerla São Paulo, 1969, 35mm, pb/cor, 80’
19h30 | A FILHA DO ADVOGADO de Jota Soares Recife, 1926, 35mm, pb, 79’ | Silencioso

29 de maio | SÁBADO
17h00 | CALA A BOCA ETELVINA de Eurides Ramos Rio de Janeiro, 1958, 35mm, pb, 102’
19h30 | A MULHER DE TODOS de Rogério Sganzerla São Paulo, 1969, 35mm, pb/cor, 80’

30 de maio | DOMINGO
15h00 | MATAR OU CORRER de Carlos Manga Rio de Janeiro, 1954, 35mm, pb, 100’
17h00 | E A PAZ VOLTA A REINAR de Yoshisuke Sato São Paulo, 1955, 35mm, pb, 71’
19h00 | NA SENDA DO CRIME de Flaminio Bollini Cerri São Paulo, 1954, 35mm, pb, 71’

o horror

Uma lista legal: os 11 filmes mais assustadores do cinema segundo Martin Scorsese. Vejam aqui.